Prográmate para vivir la experiencia virtual del Festivalfff 2021 – Motor de Cambio

AGENDA XVII FESTIVAL DE MÚSICA DE VANGUARDIA “FESTIVALFFF 2021”

La Música como herramienta de Resiliencia

Septiembre 09 – 10 -11 y 12 de 2021

https://festivalfff.org/

“El rock, más que cualquier otro género, ha sido el elemento de transformación y renovación de la escena  musical ecuatoriana” 

Mesias Maiguashca  

El Festivalfff es una plataforma de música autónoma, un difusor de influencias, tendencias de  vanguardia experimentales y contemporáneas, que nació en la ciudad de Ambato y luego se diseminó como esporas a todo el país, convirtiéndose en un festival de Ecuador, que internacionaliza su música al mundo. 

Gracias al apoyo del Instituto de Fomento a la Creatividad e Innovación (IFCI), el Ministerio de Cultura y Patrimonio (MCYP), La Asociación para el Desarrollo de la Música Iberoamericana (ADIMI), SACIN, REFMI, UARTES, el Centro de Innovación MZ14, INTERACTOS, Fundación Teatro Nacional Sucre, la Embajada de Chile en Ecuador, IMESUR, La Embajada de Brasil en Ecuador, RECBEAT, Colectivo Central Dogma y por supuesto del ecosistema vivo y fértil que incluye a lxs músicxs, periodistas, revistas y blogs especializados,  radios online, plataformas, catálogos, redes P2P, canales de YouTube, grupos en redes sociales, y muchas otras  instancias a través de las cuales la música se difunde, se valora y se disfruta. 

Las fechas en las que se presentará el Festivalfff son del 09 al 12 de septiembre de 2021, este año el Festivalfff hace un homenaje a todxs los músicos que  han pasado por las tablas del festival y dedica este “viaje musical” a quienes ya no nos acompañan; en memoria de Pablo Rodriguez, Claudio Durán, Diego Brito, Fausto Gortaire Marmota, Tadashi Maeda y todos los artistas que se adelantaron en El Camino. La organización quiere agradecer también a todas las bandas y proyectos que han participado en el festival en estos  17 años de batalla cuesta arriba, donde el Festivalfff pasó de ser un festival de provincia con un slogan que declaraba ser “motor de la escena musical ecuatoriana”, a ser el “motor de cambio” que coincide en un momento histórico de post coronavirus que ha cambiado irreparablemente nuestros estilos de vida,  realidades sociales y equilibrios geopolíticos.

Hoy, el Festival se presenta como un canal de aprendizaje colectivo, porque toda vida es un potencial para la creación, para la invención y la reinvención y toda vida es capaz de imponer un nuevo orden, una nueva perspectiva, una nueva forma de existir y de disfrutar. Como dice Luis Camnitzer necesitamos entender lo que el virus está enseñando, y qué es lo que quiere cambiar, quizás sea una adaptación a la era digital, con el uso de las nuevas tecnologías de comunicación, de sentir y escuchar la música. 

En cuanto a la propuesta curatorial del Festivalfff, que fue decidida en conjunto con los jurados Grecia Albán, Juan Pablo Viteri y Fabiola Pazmiño, luego de una escucha atenta y meditativa, este año el Festivalfff  incluirá una diversidad de bandas y propuestas, en tres ciudades; Quito, Guayaquil y Cuenca, con bandas y proyectos que compartirán su mundo musical sonoro que incluye los estilos tropical post digital, Metal, Hip Hop, propuestas sonoras mixtas de electroacústico+acustico, Dreampop, Indie folk / Alternativa, Audaz Urbano, Fusión de música ecuatoriana y músicas del mundo, Rock alternativo, Jazz instrumental, Música afro marimba, Electropunk, Rock Ecuatoriano y como invitados especiales estarán Getulio Abelha y Spock Frevo Orchestra de Brasil,  y I.O. y Frank’s White Canvas de Chile, además de los shows el Festivalfff realizará un foro internacional, talleres, charlas y conferencias. 

Todas estas propuestas musicales intentan desafiar las expectativas del público, contribuyendo a la formación de gustos, entendiendo que la música es una herramienta que nos ayuda a concentrarnos, conocernos, conectarnos y comunicarnos, que nos ayuda a ampliar nuestras conexiones cerebrales, nuevas experiencias y situaciones y que nos ayuda también a articular lo desconocido, lo que vendrá e intentar juntxs contestar a las preguntas: ¿Cómo fortalecer  nuestros ecosistemas musicales en contextos de crisis? ¿Cómo la escena musical puede ser más resiliente? ¿Cómo lograr una re sensibilización y apreciación del arte en tiempos de crisis? ¿Cómo  podemos utilizar a la música como un correctivo de la mala memoria, para no olvidar esta etapa que nos ha dejado tantos aprendizajes? ¿Cómo la música se convirtió en un proveedor de esperanza? ¿Cómo podemos utilizar todo este difícil proceso de crisis como un  motivador para el auto crecimiento? ¿Cómo la música y las artes de manera general pueden llegar a ser agentes de equilibrio, que ayuden a la sociedad a encontrar la armonía del individuo consigo mismo con la comunidad y con otros seres? 

Nos vemos en la gran red, abrazos y que disfruten el Festivalfff 2021 

En fb nos encontramos como: 

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En twitter 

@Festivalfff

AGENDA FESTIVALFFF 2021

  • La realización del Foro de Música Iberoamericana “Conexiones/Relaciones sonoras en Iberoamérica”, un espacio de dos días que permitirá descubrir y debatir sobre las libertades creativas que deben ser el centro de las políticas de desarrollo humano, fomentando iniciativas y formas para transformar el sector de  la música hacia un sector más sostenible desde el punto de vista económico y social, en este foro se realizarán  tres conferencias magistrales, los días 9 y 10 de Septiembre de 2021
  • Se realizará la V Asamblea Nacional de Músicos Independientes y Compositores  Ecuatorianos del Festivalfff con la participación de productores nacionales e internacionales, managers y  músicos, posibilitando el acceso a nuevos mercados y futuros negocios en plataformas virtuales, el 10 de septiembre de 2021. 
  • Producción del Festivalfff 2021 con dos días de streamings musicales gratuitos, en Youtube y Facebook, activados para la disminución de la brecha  digital de la difusión de la música independiente, en formato de festival virtual, los días 11 y 12 de septiembre de 2021. 

ACTIVIDADES ACADÉMICAS FESTIVALFFF 2021 

“El motor de cambio tiene que entender que la creatividad está para crear nuevas conexiones, y a lo mejor también nuevas cosas y situaciones que nos ayuden a articular lo desconocido”.

Luis Camnitzer

“FORO CONEXIONES/RELACIONES SONORAS EN IBEROAMÉRICA” 

A realizarse el 09 y 10 de septiembre de 2021

En el marco del XVII Festival de Música de Vanguardia, en alianza con MZ14 y la UArtes se realizará el Foro de Música Iberoamericana “Conexiones/relaciones sonoras en Iberoamérica”, un espacio virtual de dos días, que busca reforzar las redes de colaboración entre agentes del ecosistema musical en Iberoamérica, ofreciendo charlas y conferencias virtuales para conocernos, conectarnos, ampliar nuestras perspectivas, y así visibilizar un mejor entorno musical en la era post Covid19, que nos permita descubrir y debatir sobre las libertades creativas que deben  ser el centro de las Políticas Culturales, que nos ayuden al desarrollo humano, fomentando nuevas iniciativas y formas para transformar el Sector de la Música,  hacia las exigencias del nuevo milenio. 

Conversaremos con las invitadas sobre sus prácticas artísticas, de gestión y sobrevivencia en estos tiempos tan difíciles, ellas nos darán sus tips pero además las invitadas, intentarán responder algunos de los cuestionamientos que el crítico de arte, comisario, pedagogo, conferenciante, creador de objetos, acciones y composiciones musicales; Luis Camnitzer nos hizo en su texto “El profesor Covid”¿Qué necesitamos entender sobre lo que el virus está enseñando, y qué es lo que quiere cambiar? ¿Si, podemos seguir pensando en la geografía en los mismos términos de circulación y distribución de contenidos musicales? ¿Qué pasaría si las fronteras geo-económicas no existieran? ¿Si, es la educación en las artes musicales un camino a seguir, en pos de un nuevo entendimiento del entretenimiento? ¿Qué es lo que va a mantener vivo a tu cerebro si ya no quedarán estímulos? ¿Cuál es el sentido de ser el motor del cambio?

Texto de referencia: El profesor Covid publicado en: https://medium.com/archivopandemico/el-profesor-covid-c84527efbed0

TALLER VIRTUAL DE PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Y EJECUTIVA DE AUDIO

Fecha: jueves 09 y viernes 10 de septiembre de 2021

IVIS FLIES ( ECUADOR)

Gestor cultural, compositor, bajista, productor y músico de estudio por más de 22 años. Ha trabajado con algunos de los músicos o  bandas más importantes de la escena ecuatoriana.  Jurado del Mercado de Música CIRCULART.  Director y creador del proyecto de rescate de patrimonio musical y social De Taitas y de Mamas con nominación al Grammy Latino. 

ASAMBLEA VIRTUAL DEL ECOSISTEMA MUSICAL

Fecha: 10 de septiembre de 2021 

Con la participación de productores nacionales e internacionales, managers y  músicos, posibilitando el acceso a nuevos mercados y futuros negocios en plataformas virtuales.  La intención es reforzar las redes de colaboración entre agentes del ecosistema musical en Ecuador.  

CARTEL FESTIVALFFF 2021

Ente, Lolabúm, Ataw Allpa, Mugre sur, Jorge Oviedo Jaramillo, Sexores, Sr. Maniquí, Taller La Bola, Wañukta Tonic, Cometa Sucre, Juan Posso Jazz Trío, La Máquina Camaleón, Demonio Kuaternario, Método MC, Getúlio Abelha – BRASIL, Spok Frevo Orquesta – BRASIL, Frank’s White Canvas – CHILE, O.I.  – CHILE 

La Máquina Camaleón

Rock pop alternativo

La Máquina Camaleón se formó en Quito y es sin duda, uno de los grupos de rock/pop más representativos del Ecuador. Han logrado catapultar un reconocimiento impresionante a nivel nacional e internacional.

Sus letras y música cargadas de paisajes surreales, han logrado establecer una base de fans cada vez más grande y entregada, gracias al carisma que transmite su frontman, Felipe Lizarzaburu Egüéz, un personaje considerado icónico en la escena musical ecuatoriana. 

En el 2014 sale “Roja” el primer álbum de una trilogía, seguida por “Amarilla” en el 2015 y cerrando con broche de oro con “Azulae” en el 2020, este último álbum habla de un futuro post apocalíptico en el que se desarrolla una historia de amor. Con esta gran obra dividida en una triada se puede evidenciar una reinvención creativa constante junto a una propuesta musical innovadora y auténtica.

A través de presentaciones energéticas y una puesta en escena sólida, la banda ha sido invitada en importantes tarimas a nivel latinoamericano como: “el Hermoso Ruido” en Colombia (2015) “Fiesta de la Música en Cuenca” (2015), “El Carpazo” en Quito (2016), “Lollapalooza Argentina” (2016), “Estéreo Picnic” Colombia (2018), entre otros.

https://www.polimusic.ec/la-maquina-camaleon

https://www.instagram.com/lamaquinacamaleon/

Link videos oficiales en internet: 

Lolabúm

Lolabúm nace a mediados del 2014 en Quito, Ecuador. A lo largo del 2015, cultivaron una base de fans activa y fiel, después de varios conciertos en diferentes ciudades del país en los que se agotaron las entradas. En 2016 la banda publica ‘El Cielo’, su álbum debut. En esta primera producción la banda exploró un sonido garage, despreocupado y rockero. En julio del 2018, la banda publica su segundo álbum titulado ‘Tristes Trópicos’. En esta nueva etapa se trabajaron letras de mayor profundidad y sonoridades diversas, con influencias de la música latinoamericana, el hip-hop, entre otros géneros.

En el 2020 liberó sus álbumes ‘Verte Antes de Fin de Año’ y ‘ O Clarividencia’, con pocos meses de diferencia, desde el confinamiento. Con ellos, sorprendieron al público con su nuevo sonido ecléctico y modernizado. Actualmente su música está compuesta por una nueva mixtura de géneros y temáticas líricas más profundas.

https://www.polimusic.ec/lolabum

https://www.instagram.com/lolabumdicealo/

https://www.facebook.com/lolabum

Ataw Allpa

Música tropical post digital.

Ataw Allpa hace música tropical post digital. Sus canciones usan melodías que rememoran temas de música campesina Latino Americana. Bases potentes heredadas del Global Bass, vocales oscuros cantados sobre armonías de síntesis y un acordeón diatónico ejecutado en vivo. Su Live Act altamente bailable oscila entre el Downtempo Andino y la Cumbia Digital, con un leve toque urbano. El espectáculo está acompañado de visuales secuenciados en vivo por Mo Fractal. Además de varios instrumentos ejecutados por Ataw Allpa y Ju-Pa. Este show de 45 minutos de duración ha girado por Ecuador, Colombia, Brasil, Argentina y EEUU. Ataw Allpa ha compartido escenario con artistas aclamados internacionalmente como Mad Professor, Cero39, Frente Cumbiero, Kevin Johansen, Skip&Die, Nicolá Cruz, Mateo Kingman, Miss Bolivia, Catriel & Paco Amoroso, MC Carol, Frente Cumbiero, entre otros.

Discografía: Sonora Post Digital (2018). Cyberfolk (2017)

https://www.atawallpa.net/

https://www.instagram.com/ataw_allpa

https://www.facebook.com/artes.atawallpa

Ente

Death Metal

ENTE es la banda pionera en el Death Metal en Ecuador y una de las pocas bandas con 30 años de trayectoria ininterrumpida en sudamérica y el mundo. La banda ha participado en varios compilados de música extrema y realizado innumerables giras en Ecuador y varias en América y Europa. Han sido destacados por sus poderosas puestas en escena por la prensa especializada y tienen seguidores en varios países del mundo. 

Discografía: 

Mortaja Social (Demo Obertura) 1994, Ecuador Subterráneo (CD Compilatorio) 1997, Morada de Dioses (EP) 2002, ENTE (CD) 2003, Pseudo Cadaver Beings (EP) 2004, Más allá de las sombras (EP) 2011, Trastornado instrumento de sangre (CD) 2012, Brutal Compilación (CD) 2017, Nacido muerto (CD) 2019, Nacido muerto en vivo (Album streaming) 2021

www.ente.bandcamp.com

www.instagram.com/entedeathmetal

www.facebook.com/entedeathmetalband

Wañukta Tonic

Fusión de música ecuatoriana y músicas del mundo

Es un referente innegable del sentir ecuatoriano en tiempos modernos, esta banda capitaneada por el músico y compositor Alex Alvear, los va a sacudir y no tendrán otra alternativa que entregarse a la sorpresa y al deleite. Wañukta, en kichwa, es un golpe intenso que te manda para otro lado, nosotrxs lo matizamos con tónica, para que resbale. La banda integra dos generaciones de músicos que representan mucho de la efervescencia artística de la escena ecuatoriana contemporánea. Basa su estética en la idea de un encuentro sonoro entre tradición andina y vanguardia universal.  Wañukta Tonic es un crucero por los sabores, colores y sonidos de un país que se define en su eclecticismo y diversidad.  La banda ha producido y lanzado 2 producciones:  “Wañukta Tonic” en el 2018 y “DOS” en 2021.

https://www.instagram.com/wanuktatonic/?hl=en

Mugre sur 

Hip Hop 

Mugre Sur nació en el año 2000 como un colectivo social y cultural de raíces ecuatorianas. A lo largo de su trayectoria han grabado 5 demos y 3 discos de estudio, destacando su música en escenarios nacionales e internacionales, llevando su propuesta cultural a proyectos audiovisuales, grandes festivales, y siendo pioneros del género, posicionándose en radio nacional.

Desde sus inicios complementa su lírica con muestras escénicas transformadoras. Su performance pretende alcanzar un entendimiento amplio de la educación integral de la juventud y sus familias, a través de expresiones culturales del hip hop, generando una reflexión sobre los estereotipos de género, sexismos, clasismos, y adulto centrismos, creando diferentes personajes a lo largo de su trayectoria. Utiliza al Rap como herramienta de transformación social; rescatando la lengua ancestral Quechua, incluyendo lenguaje de señas, manifestando críticas sociopolíticas y experiencias personales en un lenguaje cotidiano.

Su música presenta una vertiente experimental e innovadora, revolucionando y apropiándose del Hip Hop de forma muy ecuatoriana y andina. Convirtiéndolos en un referente cultural utilizando ritmos reciclados de Pasillos, San Juanes y Yaravís. Mugre Sur participó en la coproducción del documental “18 de marzo contra el imperialismo y la guerra”. Han gestionado la creación y colaboración del primer programa de radio de Hip Hop en Ecuador desde la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Siendo parte de diversos festivales de carácter social y relacionados con el ámbito cultural del país como: Quitu Raymi 2006, Quito Fest 2009, Velada Libertaria 2014, Alfaro Hip Hop 2016, Funka Fest 2018.

En 2015 presentaron su espectáculo en una gira Internacional que abarcó países como Colombia y Bolivia. 

discografía: La cosecha – 2004 (ep), Mugre conspirando – 2005 (lp), Mugre surfin – 2006 (ep), Puliendo los diamantes – 2007 (lp), Recopilado -2008 (lp), Ponte 11 – 2009 (lp), De uña y mugre – 2015 (lp) y mugresureate – 2019 (lp)  

https://vimeo.com/user22127253

https://www.instagram.com/mugresur76/?hl=es

https://www.facebook.com/Mugre-sur-104056481333216

Jorge Oviedo Jaramillo

Proyecto sonoro mixto: electroacústico+acústico

Jorge Oviedo Jaramillo es compositor y director de orquesta ecuatoriano. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Se ha especializado en Análisis, Composición y Dirección Orquestal con destacados profesores y en diferentes instituciones dentro y fuera del país. Licenciado en Artes Musicales por la Universidad de Artes del Ecuador, Validación de trayectorias. 

Ha sido docente del Conservatorio Nacional de Música y de la Universidad de Cuenca. Sus obras, ejecutadas en el país y en el exterior, han sido merecedoras de menciones y premios, como reconocimiento al aporte creativo.

Responsable y ejecutor de importantes puestas en escena y montajes, entre los que se destacan estrenos locales y absolutos de creadores ecuatorianos y extranjeros, dentro y fuera del país. Como director, ha llevado a cabo grabaciones de obras de los más importantes compositores académicos ecuatorianos. 

En escenario, ha compartido y acompañando a destacados solistas como Paulo Gori, Ney Rosauro, Pierre Yves Artaud, Tadashi Maeda, Andrés Torres, Tibaulth Cauvin, José Luis Urquieta, Luciano Carrera, Wolfgang David, entre otros.

Actualmente mantiene una agenda como compositor, director y docente independiente.

www.jorge-oviedo.com

https://www.instagram.com/jorgeoviedojaramillo/

https://www.facebook.com/jorgeoviedoconductorcomposer/

Sexores

Dreampop

Desde su concepción en 2010, Sexores se ha convertido en una de las formaciones más estables del circuito latinoamericano. Bordeando el dreampop y la experimentación, construyen un sofisticado sonido basado en la programación, el uso de sintetizadores análogos y las paredes de guitarras que son explotadas a lo largo de sus 5 trabajos de estudio y de su incansable recorrido por festivales y salas de conciertos de todo el mundo.

Entre 2010 y 2011 lanzan en Ecuador ‘Amok & Burnout’, su primer álbum. En 2013 se mudan a Barcelona para lanzar ‘Historias de Frío’, su segundo álbum editado de forma independiente con gran repercusión en la prensa especializada de Europa y Latinoamérica. En 2014 giran por Rusia, Alemania, Austria, Francia, España y Estados Unidos. Entre 2015 y 2017 recorren los festivales más importantes de Ecuador y Perú presentando ‘Red Rooms’, un EP lanzado a través del sello italiano Coypu Records. En 2018, con el lanzamiento de ‘East / West’, un álbum doble lanzado en colaboración con Buh Records y RECOOP, inician una gira por Chile, Perú, Bolivia y Colombia. En 2019 se mudan a México para lanzar ‘Salamanca’, su cuarto álbum, y llegan a tocar en NRMAL y KEXP. En 2020 celebran 10 años de formación y presentan ‘X’, un compilado de reversiones de su música hecho por varios artistas de Iberoamérica.

https://sexores.bandcamp.com/

https://www.instagram.com/sexores/

https://www.facebook.com/sxrsxrs

Sr. Maniquí

Indie folk / alternativa

SR. MANIQUÍ es el nombre del proyecto solista de Mariela Espinosa de los Monteros (Quito – Ecuador), proyecto que nació del deseo de crear desde una perspectiva propia, acompañada e inspirada por otras mujeres, y con las ganas de experimentar libremente con varios estilos de música, como un maniquí que puede revestir distintos trajes y encarnar diversos personajes cada vez.

En su música, la voz es el elemento principal que guía el viaje por los distintos escenarios que describen las letras de sus canciones, que se pasean por atmósferas cercanas al indie folk, dream pop y rock experimental.

Su segundo y último trabajo discográfico es “Ábrete Sésamo”, un álbum compuesto por 8 canciones creadas a partir de poemas escritos por mujeres y disidencias ecuatorianxs de diversas épocas.

Actualmente está desarrollando un film-concierto sobre mujeres y ritualidad llamado “Fragmentos Sagrados” en colaboración con el colectivo-ensamble de cuerdas InConcerto, que se estrenará en el  presente año.

DISCOGRAFÍA: Otras Formas EP (2018), Ábrete Sésamo (2020) 

https://srmaniqui.bandcamp.com/

https://www.instagram.com/srmaniqui/

https://www.facebook.com/srmaniqui

Taller La Bola

Audaz Urbano

Taller La Bola, por más de veinte y cinco años, realiza un trabajo de estudio y divulgación sobre la sonoridad precolombina ecuatoriana, mediante conciertos y talleres pedagógicos donde se ejecutan instrumentos arqueológicos originales, provenientes de la colección privada compilada por el músico y restaurador de bienes museables: Luis Oquendo R. (+), fundador del proyecto. Con el objetivo de aportar a la cultura viva y educación en Ecuador, Latinoamérica y el mundo.

La banda ha desarrollado espectáculos musicales internacionales y nacionales, en los cuales se puede evidenciar de manera práctica la investigación mencionada. Esto se logra a través de la ejecución de instrumentos prehispánicos junto a otros étnicos y contemporáneos; combinados con ritmos tradicionales y modernos, dando lugar al género autodenominado, “Audaz Urbano”. Esta experiencia musical demuestra los alcances y posibilidades de las sonoridades ancestrales, vigentes hasta la actualidad; que verifican el alcance científico y tecnológico de las culturas precolombinas. 

La  trayectoria profesional de la agrupación, ha permitido presentar espectáculos en escenarios de alto prestigio como festivales, ferias culturales, teatros y otros, además  ha facilitado vinculaciones artísticas con músicos  y entidades influyentes del país; manteniendo la perspectiva de invitar a la audiencia, hacia una experiencia  única  sobre  la sonoridad milenaria, que en otras condiciones estaría limitada a una sala de museo.

Discografía: Chuta Quito de Noche (2004), El Hilo Conductor (2010), Champús Sonoro con Yapa (2015), Involución (2017), Resonando en el Tiempo ft. David West (2018)

https://www.tallerlabola.com/

https://instagram.com/tallerlabolaoficial?igshid=1eubmtq5zdtvj

https://www.facebook.com/tallerlabolaoficial

Cometa Sucre

Rock alternativo

Cometa Sucre es una banda de rock alternativo de Guayaquil, iniciativa de “Perico” Argüello (voz, bajo) en 2016, junto a Rodolfo Burbano (sintetizadores, guitarras), Marco Armijos (batería), Alex Illingworth (guitarras, coros) y Wilson Murillo (guitarras).

Tiene un sonido potente y fresco que embarca a sus oyentes en un viaje sideral gracias a su sensibilidad melódica. Su propuesta oscila entre temas dominados por poderosas líneas rockeras y baladas ensoñadas. Las letras son crónicas de vida llenas de metáforas que evocan reflexiones y nos recuerdan que las etapas de la vida son necesarias para el crecimiento personal.

Su EP debut “Pastillas de Valor” (2016) tuvo gran acogida en distintos medios, llegando a los primeros lugares de rankings y generando una importante base de fans. Han compartido giras con bandas de la nueva escena del rock latinoamericano como El Mató a un Policía Motorizado, Da Pawn o Superlitio. Fueron elegidos para la apertura de la consagrada banda Zoé en el Coliseo Voltaire de Guayaquil y para la inauguración de la Plaza Guayarte (Guayaquil).

El lanzamiento de su LP “En Transmisión Perpetua” (2019) ha marcado la consolidación de la banda. Su estreno tuvo lugar en El Festivalito, evento insignia de la música independiente, con una puesta en escena muy potente en lo visual y sonoro.

Han estrenado dos sesiones en vivo y dos videos oficiales y han sido destacados en playlists oficiales como “Lo mejor del Indie/alternativo 2020” de Spotify.

Actualmente, se encuentran grabando nueva música, a estrenarse este 2021.

https://www.polimusic.ec/cometa-e

https://www.instagram.com/cometasucre

Juan Posso Jazz Trío

Jazz instrumental

Nació en Quito, Ecuador. Es un artista activo que utiliza platillos BOSPHORUS y baquetas VATER PERCUSSION. Su música es una mezcla de influencias como el jazz, el metal y la música latina, basada en la improvisación. Comenzó a tocar metal y hard core empíricamente, presentándose en festivales como Rock al Parque en Colombia o Makinaria fest en Brasil. Más tarde, mientras cursaba sus estudios en música clásica, ganó el primer premio en el concurso “Mejor solista” del año 2007 en el conservatorio Mozarte en Quito, después de eso, estudió una licenciatura de interpretación en jazz en la USFQ (BIN). Siendo un estudiante de jazz, participó y ganó por dos ocasiones consecutivas el concurso JAZZ ENVOYS organizado por la Embajada de los Estados Unidos en Quito con la UNIVERSIDAD SAN FRANCISCO asistiendo a seminarios en la UNIVERSIDAD DE LOUISVILLE y tocando en lugares como el KENNEDY CENTER en Washington DC. Paralelamente durante este tiempo toqué música clásica en la BANDA SINFÓNICA METROPOLITANA DE QUITO y salsa en la Orquesta LA MALAMAÑA donde fue intérprete. Más tarde obtuvo un Magna Cum Laude en el Máster en Interpretación Contemporánea en BERKLEE COLLEGE OF MUSIC – Campus Valencia donde formó parte de los proyectos de VÍCTOR MENDOZA y PERICO SAMBEAT, Actualmente es profesor en la UNIVERSIDAD DE LAS ARTES DEL ECUADOR donde imparte clases de instrumento, ensambles y arreglos. Realizó su primer EP como solista llamado RESILIENCIA (2019) y actualmente está difundiendo el disco CICLOS (2021).

https://juanpossodrums.com/home

https://www.instagram.com/juanpossodrums/

https://www.facebook.com/juan.posso.5

Demonio Kuaternario 

Electropunk

Demonio Kuaternario, tiene como concepto la utilización de audio de la cotidianidad popular de la urbe, resaltando temáticas como violencia, discriminación, abuso de poder, prepotencia, injusticia, dominio.

Expresa con la música electropunk la energía, descontento, inconformismo, irreverencia, desobediencia y reaprendizaje, de las normas sociales establecidas, de la imposición de dogmas, del cumplimiento de órdenes, de las jerarquías y la invasión de la voluntad.

DEMONIO KUATERNARIO es un proyecto electro punk visual performático, a la vanguardia de la música electrónica, de la producción visual, experimentación sonora sensorial, agrupación con trayectoria de 2 años. siendo la pandemia uno de los motivos por lo que sus intervenciones sonoras son vía internet en su mayoría.

MÉTODO MC

Rap fusión 

Método es un rapero y productor musical nacido en Cuenca, incursiona en la música formalmente desde el año 2014 a la par con sus estudios en la ciudad de Quito, ha formado parte de varios proyectos  y hasta la fecha tiene 4 álbumes publicados. Sus composiciones exploran distintos géneros musicales teniendo como eje al Rap, a colaborado con artistas Nacionales e Internacionales tales como Pdrito Criollo (Gogol Bordello) Jiken (Francia) TonyWilson (New Orleans), Daniel Sorzano (Bogotá), Mav Nuhels (Medellín) Álvaro Bermeo (Guardarraya), Felipe Lizarzaburu (Máquina Camaleón), Pedro Bonfim (Lolabúm) entre otros. Su show en vivo transmite toda la energía y fuerza de sus canciones al contar con grandes músicos de la escena nacional para su banda entre los que tenemos a Jim Fabre, Mateo del Pozo y Mateo Castillo, Una fusión entre banda, computadoras y Rap es lo que el artista propone. Método a participado de varios festivales a nivel Nacional entre los que destacan: Loa Loa Fest (Latacunga) Funka Fest (Guayaquil) La ideal (Quito) Fiesta de la Música (Cuenca) Upano fest (Macas) Selina (Quito-Cuenca-Tena) y más…

https://www.instagram.com/el.metodite/

https://www.facebook.com/M%C3%A9todo-Mc-343790638987547/?ref=pages_you_manage

Getúlio Abelha – BRASIL

Forró tradicional, el pop y la música electrónica

Cantriz, compositora, presentadora Getúlio Abelha nació en Teresina-PI, pero radica en Fortaleza desde 2012, el artista ha desarrollado varios trabajos en cine, teatro y performances tanto en Ceará como en otros estados. Es autor de las canciones “Laricado”, “Tamanco de Fogo”, “Aquenda”, entre otras. Creó el proyecto musical “Corta Fogo”, en el que produce música, videoclips, conciertos y propone un nuevo rostro para la cultura nororiental. El cantante que comenzó a tener éxito en la escena alternativa en Fortaleza, salió de los bares, rompiendo los límites de la escena musical local y presentando sus espectáculos musicales por todo Brasil, mostrando su eclecticismo y talento.

https://linktr.ee/getulioabelha

https://www.facebook.com/getulioabelha

SpokFrevo Orquestra – BRASIL

Frevo, jazz

Formada por 18 jóvenes músicos de Pernambuco, la orquesta surgió en Recife, en enero de 2001, dando al frevo un tratamiento diferente, con arreglos y armonías modernas que buscan la libertad de expresión en la improvisación, con una clara influencia jazzística. El líder de la Orquesta Spok Frevo es el músico y compositor Spok – Inaldo Cavalcante de Albuquerque – nacido en la pequeña ciudad de Abreu Lima en Pernambuco y trasladado a Recife a la edad de 16 años, es designado por especialistas como el nuevo embajador de frevo. Ya ha tocado con todos los maestros del frevo en vivo, según declaró en un comunicado, entre ellos: Maestro Duda, Ademir Araújo, Zé Menezes, Paulo Lira, Maestro Nunes y Geraldo Santos. Según su testimonio, cuando llegó a Recife, con 16 años, escuchó un ruido proveniente de un automóvil que llamó su atención. Era el saxo de Felinho, improvisado sobre los clásicos “Vassourinhas”. Ya acompañando a Antônio Nóbrega, en un festival de jazz, años después, recordó a Felinho y su improvisación. Se le ocurrió la idea de formar una orquesta en la que las partituras fueran un accesorio más para los músicos. El repertorio de la orquesta está compuesto por frevos callejeros, puramente instrumentales, y frevos-canções, nuevos y consolidados. Desde sus inicios, el grupo ha conquistado la admiración del público, llenando el cronograma de presentaciones y llevando frevo a varias presentaciones en Brasil y en el exterior. En agosto de 2003 tocaron con éxito en el festival Les Rendez-vous de L’Erdre, en Nantes (Francia), en el V Mercado Cultural de Salvador (BA), cuando fueron comparados con la Luckman Jazz Orchestra de Los Ángeles, por el escritor y el saxofonista Luís Fernando Verissimo. En 2004, participaron en el Festival de Jazz de Cascavel (PR), en el Festival Um Sopro de Brasil (SESC Pinheiros), en clubes de jazz de São Paulo y Río de Janeiro, siempre con una audiencia considerable y animada. A finales de 2004, tras siete años de gira, sacaron el CD “Passo de Anjo”, que fue considerado un clásico del género por la crítica especializada, por traer reinterpretaciones de viejos éxitos y nuevas composiciones como “Ela me dise “, de Luciano Oliveira,” Passo de Anjo “, de Spok y João Lyra, entre otros. En el repertorio clásico del CD está “Nino, o Pernambuquinho” del Maestro Duda. La canción ganó un clip que se mostró en el programa Fantástico de TV Globo el domingo de Carnaval de 2005.

https://www.facebook.com/spokfrevooficial

https://www.youtube.com/watch?v=su-BXJGTuJo

Frank’s White Canvas – CHILE

Karin y Francisca son oriundas de Peñalolén en Santiago. Ambas se conocieron en el colegio por una competencia musical donde participaron de manera conjunta y entablaron amistad. Posterior a ello deciden iniciar una carrera musical juntas formando parte de una banda llamada Exist,1​ finalmente deciden formar un dueto, dando vida a Frank´s White Canvas.

https://www.iomusica.cl/bio

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I. O.

Música pop a través de una propuesta que se inicia en el chelo, su propio instrumento, y finaliza con una enorme construcción sónica a partir de sintetizadores, secuenciadores, máquinas de ritmos y de muestreos

Las iniciales de I.O. definen una identidad musical para Isidora O’Ryan, una cantautora en los márgenes de la música pop a través de una propuesta que se inicia en el chelo, su propio instrumento, y finaliza con una enorme construcción sónica a partir de sintetizadores, secuenciadores, máquinas de ritmos y de muestreos. Todo ello queda expuesto en el álbum Ciénaga (2020), uno de los discos que marcaron el año de la pandemia y al mismo tiempo uno de los debuts de mayor altura para un solista independiente. Junto con Ángela Acuña y Felicia Morales, Isidora O’Ryan completa una tríada de chelistas clásicos que pasaron paulatinamente hacia el mundo del pop.

CONTACTOS:

festivalfff@gmail.com 

+593 984 888 998

Una producción del Colectivo Central Dogma, 2021

http://www.festivalfff.org

“Este material se realizó como resultado de la Convocatoria Pública Nacional para Festivales Emblemáticos 2018-2021,  impulsada por el Instituto de Fomento a la Creatividad y la  Innovación IFCI

Convocatoria para la  publicación de textos sobre Arte

GUAYUNGAS HUB hace la invitación a compartir tus textos en su plataforma: http://guayungashub.org/

  1. Los textos pueden ser originales, inéditos o pueden haber sido previamente publicados. 
  2. Los textos deberán ser presentados en su redacción definitiva. 
  3. Los textos SI pueden  ser parte de otras investigaciones ya publicadas como tesis de grado, maestría o Ph.D.
  4. Los textos deben tener una extensión de entre 4 y 12 páginas.
  5. El texto debe estructurase y enviarse de la siguiente manera:
  • Título del artículo en español.
  • Nombre del autor/a.
  • Biografía del autor/a en máximo, 150 palabras.
  • Resumen del texto en español 150 palabras.
  • De 5 a 10 #Hashtags que expliquen de que se trata el texto.
  • Texto redactado con fuente Times New Roman tamaño 12, interlineado 1,5 para el cuerpo del trabajo, las citas y la bibliografía y tamaño 10 para las notas al pie.
  • Referencias bibliográficas.
  • Datos de contacto; Nombre, email, web, número de teléfono.
    Deberán enviar enviar un correo : centraldogma995@gmail.com con el asunto TEXTO PARA GUAYUNGAS HUB, autorizando publicar tu texto, y adjuntando fotos, imágenes textos que sean del autor/a hasta el 30 de abril de 2021 

ESTA ABIERTA LA CONVOCATORIA PARA PARTICIPAR EN EL  CICLO DE FORMACIÓN INTENSIVA  INVERNADERO CULTURAL GUAYUNGAS – HERRAMIENTAS DE PROFESIONALIZACIÓN Y AUTOGESTIÓN PARA ARTISTAS.

Se entregaran 25 BECAS de estudio para asistir al Ciclo intensivo de formación on-line INVERNADERO CULTURAL GUAYUNGAS – Herramientas de profesionalización y autogestión para artistas.

Los talleres estarán a cargo de expertxs especialistas en sus respectivas áreas que son: Martina Miño, Ana Rosa Valdez, Janina Suarez Pinzon, Susan Rocha, María Inés Armesto, Tania Navarrete, Paulina León, Gabriel Roldos, Gabriela Moyano  y Diego Morales. 

Este ciclo intensivo de capacitación tiene el objetivo de ofrecer herramientas para actualizar y ampliar las capacidades como artistas y que permitirán a los creativos gestionar de mejor forma su carrera profesional. 

Contiene 10 talleres de formación, de tres horas cada uno, 30 horas en total de temas específicos para desarrollar las capacidades artísticas, que seguro serán de mucha utilidad a la hora de plantearse metas creativas, fortalecer las comunidades artísticas y construir carreras más prósperas.

Este ciclo de capacitación intensivo cuenta con el aval de Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación,  la UArtes y Manzana 14, Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca, Arte Actual y Proyect Room de FLACSO, Colectivo Central Dogma. 

Se requiere el compromiso de los participantes será asistir al 80% de las clases (24 horas minimo), solo quienes asistan a todos los talleres recibirán un certificado con el aval académico respectivo. Aceptamos solicitudes hasta el 30 de marzo de 2021

Fechas: todo el mes de abril e inicios de mayo de 2021, de 20H00 a 21H00

PROGRAMACIÓN TALLERES: 

TALLER 1: 

Arte expandido: El comer, saborear y digerir como medios artísticos”, dictado por Martina Miño Perez. 

Fechas: 01 – 02 – 03 de abril de 2021

TALLER 2: 

Historia del Arte Ecuatoriano, dictado por Ana Rosa Valdez 

05 – 06 – 07 de abril de 2021

TALLER 3: 

Comunicación y creación cultural, repensando lo que será puesto en marcha,  dictado por Janina Suarez Pinzon. 

Fechas: 08, 09, 10 de abril de 2021

TALLER 4: 

Claves para escribir sobre arte y discursos retóricos, dictado por Susan Rocha

Fechas: 12, 13, 14 de abril de 2021

TALLER 5: 

Narrativa fotográfica en portafolios y autopublicaciones dictado por María Inés Armesto

Fechas: 15, 16, 17 de abril de 2021

TALLER 6: 

Procesos de gestión de proyectos culturales ¿Cómo elaborar un proyecto para participar en una convocatoria y que tengas mayores posibilidades de ser seleccionado?, dictado por Tania Navarrete

Fechas: 19, 20, 21 de abril de 2021

TALLER 7: 

Ejercicios especulativos de curaduría, dictado por Paulina León Crespo 

Fechas: 22, 23, 24 de abril de 2021

TALLER 8: 

Finanzas personales para artistas, dictado por Gabriel Roldos  

Fechas: 26, 27, 28 de abril de 2021

TALLER 9: 

¿Cómo fijar los precios de tu obra de acuerdo a tu mercado? Oportunidades y consejos para abrirse camino en los mercados nacionales e internacionales, dictado por Gabriela Moyano

Fechas: 29, 30 de abril y 01 de mayo de 2021

TALLER 10: 

Gestión del Conocimiento (Marcas, Patentes, Derechos de Autor y Derechos Digitales), dictado por Diego Morales. 

Fechas: 03, 04 y 05 de mayo de 2021

Inscripciones en: 

https://docs.google.com/forms/d/1BGc9bUPHJevpopNcURWAHoGhgGVDV7R8lia17GuME4U/edit?usp=drive_web

PRESENTACIÓN DE PLATAFORMA DIGITAL GUAYUNGAS HUB

El Invernadero Cultural Guayungas Hub, está mentalizado como una plataforma digital de creación, circulación y capacitación en las artes contemporáneas, impulsada por el Colectivo Central Dogma -artistas que piensan y actúan juntxs-, que surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas emergentes ecuatorianos.

Guayungas Hub esta pensada en la necesidad de considerar a las artes y la cultura como estrategias para garantizar la salud integral de las personas y promover procesos ciudadanos de resiliencia y recomposición del tejido social causada por la emergencia sanitaria mundial del coronavirus. 

Este es un proyecto ganador del Fondo de Movilidad del Instituto de Fomento a  la Creación e Innovación (IFCI), producido por el Colectivo Central Dogma, la Residencia Artística Pujinostro, y cuenta con el aval de  Arte Actual y Project Room de Flacso, Universidad de las Artes, Mz14, el Openlabec, el Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca. 

La presentación oficial se realizará el día 17 de marzo de 2021 a las 11H00 a través de las plataformas de Arte Actual – Project Room FLACSO. 

En la presentación estarán presentes los artistas participantes, curadores y amantes del arte ecuatoriano, no te lo pierdas!

Fb: @Creatividad.Ec

https://www.facebook.com/events/430752554812547/

Cultura, vivir con propósito

Apuntes aterrizados para construir políticas de cultura

En memoria de Claudio Durán, Miguel Varea, Diego Brito, Patricia Naranjo, Eduardo Hurtado, Fausto Gortaire Marmota, Tadashi Maeda, Enrique Tábara y todos los artistas que se adelantaron en El Camino. 

Por: Ana Rodriguez & Tania Navarrete

“La verdadera fuerza del impulso anticapitalista está expandida muy difusamente en el cuerpo de la sociedad, en la vida cotidiana y muchas veces en la dimensión festiva de esta última, donde lo imaginario ha dado refugio a lo político y donde esta actitud anticapitalista es omnipresente”.

– Bolívar Echeverría

En medio del ruido y el vacío que provocan las elecciones, hemos confluido en las mismas ganas de decir algo esperanzador sobre un tema con el que tenemos una relación ambivalente o -por lo menos- conflictiva: la política. Y aunque de ella, lo que menos nos interese es lo electoral, no quita que podamos lanzar una pequeña reflexión sobre nuestra cultura política relacionada con nuestra pequeña política cultural.

Esta reflexión se organiza a partir de nuestras experiencias particulares, con al menos 3 ingredientes indispensables: la cultura desde lo independiente (haciendo), las experiencias extremas en el sector público (diciendo), el trabajo con comunidades en territorios locales (diciendo-haciendo).  

Estas experiencias no han estado fuera de la lógica amigo-enemigo, que es lo propio de la política que atraviesa los campos del saber y del hacer. En algunos casos ejerciendo puestos públicos, nos ha acompañado de cerca su sombra binaria, ese miedo gris de ser ubicadas (arrojadas) a un extremo de un ring de box, en la lógica polarizada que es la expresión más común de la contienda política. En esa contienda hemos aprendido mucho, a sobrevivir, a entender el Estado, la capacidad de lo público y la fragilidad de sus instituciones, la contradicción y la ambivalencia de los acuerdos políticos, como un supuesto costo fijo de la transformación, o como una extensión de las formas poscoloniales del estado. 

(Es en este contexto que nuestro deseo es posible. Digamos que es el marco de sentido de nuestro deseo, no su condición ni su origen, pero su entorno. No deseamos el objeto del arte y la cultura, deseamos el conjunto en el que ese objeto es posible. Y ahí se reaviva la contradicción, y ahí decidimos que se trata de un deseo productor, y de que nuestras subjetividades -o deseos- no están hechas de la materia fija o binaria del ring de box y sus reglas, sino de la materia cambiante de los cuerpos que sudan, se estropean y se reconstruyen, hasta reinventar el sentido de su movimiento.)

La cultura desde lo independiente (haciendo)

Nosotras creemos que la cultura es como una especie de columna vertebral de nuestra sociedad, porque es una estructura y a la vez una información, una especie de ADN que nos construye, pero a la vez un proceso de constante creación y transformación que nos da identidad y que hace que vivamos de mejor manera. Para el ser humano la cultura es -o debería ser- tan importante como la alimentación. Al mismo tiempo, la Cultura es una herramienta, que como personas nos permite avanzar en el tiempo, entender el pasado, visualizar el futuro y vivir con propósito, para mejor el presente.

Para el filósofo ecuatoriano Bolívar Echeverria, considerado como uno de los teóricos más importantes del siglo XX la cultura es el “cultivo de la identidad”, entendida como el modo en que una comunidad determinada –en lo étnico, lo geográfico y lo histórico– realiza o lleva a cabo el conjunto de las funciones vitales.  Para nosotras, la cultura es lo independiente, no se desarrolla en ningún ministerio, ni institución pública, se desarrolla en el cuerpo, en la piel que habitamos, la cultura está presente en la ropa que nos cubre, está en las casas que habitamos, esta en nuestro entorno más cercano, es parte de nuestra familia, nuestro barrio, ciudad, país y mundo. La cultura es nuestra identidad y está presente en la Tierra que pisamos, en nuestro planeta, con su atmósfera protectora que nos permite vivir y generar un ambiente que nos protege del hostil y frío universo exterior.

Si bien, este último año (2020) la pandemia por COVID19 en el mundo entero, provocó un shock en los seres humanos, que nos creíamos casi inmortales; “todopoderosos dueños de la tierra”, este chirlazo nos despertó, e hizo que, más allá del hueco del capitalismo en el que habíamos cado, aprendamos a valorar otras materialidades, otros valores; la salud física, la salud mental, la familia, los amigos verdaderos, la correcta alimentación, el gran valor de la gente que siembra, cuida, cosecha, transporta y comercializa los alimentos que llegan a nuestra mesa, y el gran valor de lo inmaterial.

Y allí, en medio del confinamiento, los “productos culturales” nos ayudaron grandemente, principalmente a mantener la mente sana y no padecer ningún trastorno o enfermedad mental. Entonces nos refugiamos en el confortable mundo de los libros, del cine, de la música, de los videojuegos, muchas personas empezaron a pintar, tejieron bufandas, bordaron sueños, cocinaron, experimentaron. Mientras la parca se llevaba a miles de personas, mientras los medios de comunicación difundían las noticias de una enfermedad infecciosa causada por el coronavirus descubierta en Wuhan (China) en diciembre de 2019, mientras el virus palabra nos llenaba de angustia, mientras los bancos hacían crecer nuestras deudas -gracias por sus ambiciosos e inhumanos intereses-, en el camino solo nos quedaba una luz; el Arte. 

Más, el despertar de las instituciones culturales en Ecuador en el inicio de la crisis sanitaria fue como siempre lento, negligente, desidioso, la inoperancia en la toma de decisiones, y la forma de tomar las mismas, hizo que nos sentimos huérfanos, esta sensación de vulnerabilidad nos golpeó bajo… Mientras los ministros intentaban llegar más alto, mientras en los ministerios, las subsecreatarías, direcciones culturales y casas los funcionarios de turno “tele trabajaban”; lxs artistas, gestorxs y creadorxs con esa hermosa capacidad de apartarnos cambiábamos nuestras prácticas; empezamos a hacer trueques, aprendimos a hacer pan y a compartirlo con nuestra comunidad, buscamos re equilibrarnos, a través del sentido de pertenencia y reciprocidad, a veces conscientemente y otras intuitivamente, sabíamos que este era un desafío, e intentamos darle a la crisis un significado positivo que nos traía la oportunidad de volver a redefinir el concepto de la vida-  así, aprendimos a vivir en el mundo de la virtualidad y el mundo de lo real. 

Las experiencias extremas en el sector público (diciendo)

Mientras en casi todo el país, el sector cultural público demostraba su ineficiencia, nos preguntabamos ¿Cuándo fue que lxs ecuatorianxs entregamos nuestro poder a un sector público cultural ineficiente? ¿Por qué las personas preparadas y comprometidas con las artes y la cultura -que si las hay- no estaban en ese momento a la cabeza, donde estaba la buena gente para dirigir las acciones de salvaguarda del patrimonio cultural material e inmaterial? ¿Porque todo tenía que estar dañado? ¿Por qué en las instituciones culturales públicas, -cuya misión debería ser el fomento y protección de los agentes culturales-, no hacían nada y cuando hacían todo parecía ilógico y sin sentido? Lo lógico en ese momento era, apoyar a la gente, apoyar a los actores y gestores culturales, implementar acciones de emergencia que apoyen y sostengan al sector, pero no fue así.

Entonces nos preguntamos; ¿qué parte del concepto “emergencia” no entendieron? pues de lo que entendemos una emergencia es un asunto o situación imprevista que requiere una especial atención y debe solucionarse lo antes posible, pero no, este no fue el caso. Para tener una sociedad mejor hay que dar importancia a las prioridades, que para nosotras son la salud, la alimentación, la educación y por supuesto la cultura, pero parece que para los políticos y para el gobierno la cultura no importa, y esa sensación de desamparo, e impotencia, como si se tratara de un mal sueño, hace que intentemos obligar a un despertar colectivo. 

La invitación a meditar sobre ¿Qué va a pasar con el sector cultural ecuatoriano en la nueva década? ¿Qué tan real es el ejercicio de los derechos culturales en nuestras ciudades? ¿Cómo podemos lograr una sostenibilidad para los proyectos culturales en la época post COVID19? ¿qué políticas culturales desde las instituciones locales, nacionales e internacionales se están preparando para afrontar la post pandemia? y claro  sabemos que no nos gusta pensar en cosas negativas, no andamos por allí pensando; para cuando el mundo se destruya dejaremos estas políticas públicas que ayuden a los sobrevivientes, quizás ese sea nuestro problema, nunca pensamos en las posibilidades de crisis, ni en cómo afrontarlas, no hay un plan de contingencia cultural que diga “salida por aquí” y claro mientras sigamos entregando la responsabilidad a burócratas egocéntricos, apáticos, misóginos, imposibilitados y desinteresados, seguiremos desapareciendo poco a poco. 

Más, nosotras creemos que aún hay gente a la que le interesa las cosas, aún hay jóvenes que quieren cambiar el mundo, nuestro mensaje es para ellxs; lo que queremos pedirles es que se involucren en el sector público, que participen en la gestión institucional, que no traicionen sus principios, que -aunque sea pequeño- hagamos cambios positivos, nuestro deseo es que volvamos a reencontrar el camino, leer las tablas de la ley y si es necesario re escribirlas, para apoyarnos mutuamente, para que esta sea solo una triste anécdota que contar en el futuro, donde nos espera el festejo de la vida cultural, los encuentros, los abrazos que son la esencia humana, pero para llegar al futuro ideal, es necesario acelerar los procesos, acelerar los diálogos, acelerar la toma de decisiones, buscar un antídoto contra la indiferencia, con la conciencia de que como dice la ley de la unidad; no existe separación entre personas, animales, objetos, planetas o galaxias, porque que todxs formamos parte de una misma y única unidad o familia.

El trabajo con comunidades en territorios locales (diciendo-haciendo).  

Fue Henry Miller quien en uno de sus libros dijo; “aquel capaz de vivir solo es un Dios o una alimaña”, también dijo “el arte no enseña nada más que el significado de la vida”, desde la escuela aprendimos que somos individuosgregarios, tendemos a vivir agrupados con otros congéneres, formando manadas, cardúmenes, colonias o, en el caso de los seres humanos; grupos sociales.

Cuando pensamos en la comunidad, pensamos en la familia, pero también en esa familia extendida de la que habla la filósofa Donna Haraway, ella nos enseña que  “Ser uno es siempre devenir-con muchos”. Así, el trabajo cultural en comunidad es solo una consecuencia de nuestro quehacer, es el resultado de vivir en esta tierra, en esta instancia histórica y geográfica. Según nuestra experiencia, nuestros acercamientos a lo que llamamos comunidad, suelen darse más por afinidad que por identidad, buscamos lo común, porque nos necesitamos lxs unxs a los otrxs, porque hasta para pelear se necesitan dos. 

Vivimos en un ecosistema cultural, donde todos y todas somos necesarias, para nosotras  no hay nada más placentero que hacer felices a otras personas, nada nos da más satisfacción que apoyar al crecimiento de otros seres, quizás esta necesidad sea instintiva, básica, necesaria, femenina y seguro el capitalismo alien en el que sobrevivimos no entiende esta acción humana, pero alli esta, y a pesar de las circunstancias sigue presente, insistimos; nos necesitamos los unxs a los otrxs, por eso es importante que exista un sector cultural público y un sector cultural ciudadano y autónomo, por eso es importante que haya más acciones que se tomen para protegernos mutuamente. Y aunque esta pandemia nos retenga en casa, nos haya inyectado el miedo, nuestro gran anhelo es volver a vivir la vida cultural en comunidad, bailar, ir a conciertos y festivales, ir al teatro, saludar con un abrazo a la gente que nos encuentra en el camino, sin miedo al otro, sin miedo a lo desconocido. 

Pero a veces, parece que en lo alto de la torre, las “autoridades” los ministros de turno, sus secretarios y funcionarios, los directores de cultura y sus funcionarios se olvidaran de esta comunidad, y se quedan inmóviles esperando y festejando cada depósito de su sueldo, queriendo esconderse, no hacerse notar, no hacer bulla, para que nadie les joda, para que no vengan los artistas a exigir lo que les pertenece. 

Micropolíticas – en medio del todo, no todo está perdido

Las experiencias de gestión independiente de procesos culturales tienen sus ventajas y desventajas, tienen sus momentos de gloria y su constante amenaza de muerte. La cultura como un proyecto de creación o de investigación está en riesgo siempre, porque nunca hay suficiente demanda integral o suficiente comprensión por parte de las instituciones o las autoridades, si no porque la cultura es un concepto, una política y un programa en disputa, siempre. Porque pende de un hilo, de una voluntad que oscila, de una gestión que es casi siempre una sobreviviente. 

La magia de la gestión independiente, es que se hace de puro deseo, de la confluencia de voluntades que buscan producir espacios, transformar la normalidad, por que cada ciudadanx, puede hacer política; involucrándose, estando atentos, participando, reflexionando criticamente. Recordando que la cultura no es un problema, porque la cultura es la solución, que la cultura no está en crisis, que lo que está en crisis es  la administración cultural, la forma de gobernanza… 

Y es que hay que ser magos y magas para sobrevivir en este difícil campo cultural, donde muchas energías negativas nos afectan y en algunos casos atraviesan como el ego, la envidia, la codicia, el egoísmo, la desidia, el quemeimportismo, la politiquería, el dejar todo para un mañana que nunca llega, porque en el sector público siempre hay cosas más urgentes, incendios más grandes que apagar.

Entonces lxs artistas, gestorxs y creativxs hemos aprendido a ser equilibristas, en una baranda alta entre la vida y la muerte no queda más que respirar profundo y seguir caminando la palabra, mientras estemos vivas. Asumiendo los riesgos de la libertad y cuando ya no podemos más, cuando estamos a punto de tirar la toalla; la música suena en nuestro interior y se da nuevamente la magia. Por suerte no estamos solxs, somos miles de seres humanos conectados a esa energía creativa, a nosotras nos gusta visualizarla como una tribu que genera sus propias micropolíticas, las políticas del hacer, del pensar, del sentir, del ver más allá, las micropolíticas del  compartir y del dar. 

((((rezar para compartir))))

FESTIVALFFF MOTOR DE CAMBIO LLEGA POR PRIMERA VEZ EN FORMATO VIRTUAL

Nos complace presentar el cartel oficial del XVI Festival de Música de Vanguardia “Festivalfff 2020” edición virtual, cuyas transmiciones se realizarán el sábado 21 y domingo 22 en los canales oficiales del FFF y de instituciones aliadas.

#LaMusicaNoSeDetiene #ElArteYLaCulturaNoSeDetienen #SomosCultura #Festivalfff2020

Lugares a retransmitir: 

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TANQUE (Quito – Ecuador) 

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Hace un poco más de 20 años, en Quito, Ecuador, una cuarteto de adolescentes, entendieron que lo que hacía falta en el mundo era un poco más de Punk! Formaron un banda. Se dedicaron a hacer riffs criollos y armoniosos pero maquiavélicos con base en baterías embaladas. Desarrollando así el quemimportismo como corriente estética. Y les fue muy bien. Ahora, ya sin tanta adolescencia, sienten que han tocado el tiempo suficiente para hacer de la música punk Quiteña una artesanía. Tanque es la banda más representativa de la escena musical independiente ecuatoriana, ahora regresan al Festivafff con la misma actitud y fuerza. 

https://www.facebook.com/tanquebanda/

RICARDO PITA Y LA CASA RODANTE (Guayaquil – Ecuador)   

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Ricardo Pita es un innovador cantautor de la ciudad de Guayaquil. El estilo único de Pita ha llamado la atención de los medios y de los fanáticos en Ecuador y el resto de América Latina y Europa. Ha colaborado con varios artistas como: Héctor Napolitano, Jorge Drexler, entre otros. 

La Casa Rodante es un proyecto en gira que fue creando y grabado canciones, invitando a músicos de todas las ciudades por donde rodaba; España, Chile, Argentina y Ecuador. Actualmente el proyecto es un trío que refleja el maravilloso sentimiento del viaje y recorre una mixtura de sabores que en vivo que nos permite escuchar sonidos únicos como: música tropical, swing, polka, rock alternativo y folclore latinoamericano.

https://www.facebook.com/ricardopitamusico/

TAYTA  (Ambato – Ecuador)

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Es una banda nacida en la ciudad de Ambato en el año 2015, está conformada por Christian Vela (guitarra y voz principal), Stalin Ipiales (Bajo y segunda voz) y Raphael Ipiales (Batería). La banda tiene una combinación de varios géneros con raíces ecuatorianas como el sanjuanito, en fusión con el hardcore y metal. Su sencillo se llama ¨Ritos del Caos¨, actualmente se encuentran en la producción de su primer Ep denominado ¨Nuestra sangre¨. 

https://www.facebook.com/taytaband/

PICHIRILO RADIOACTIVO (Quito – Ecuador) 

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Es una banda muy versátil, que nació en el año 2013, con el interés de compartir la poderosa energía de los instrumentos de viento, con un proceso natural e innovador de creación y puesta en escena en distintos escenarios del país. Es una propuesta musical de gran intensidad anclada en un frente de seis vientos y una sólida base de batería y bajo. La presencia imponente del conjunto en el escenario, que integra diversos elementos del teatro, vestuario, luces y visuales, para generar un hilo conductor entre el público y la banda, creando así una historia que permite a la audiencia participar del show de una manera más interactiva, hace de Pichirilo Radioactivo uno de los performances más entretenidos y completos del Ecuador.   

https://www.facebook.com/pichirilomusic/

MUNN (Quito – Ecuador)

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Es un trío de música electroacústica y experimental, con influencias y sonoridades eclécticas. Con más de 10 años de trayectoria nacional y latinoamericana, MUNN presenta su nuevo formato donde los sintetizadores, secuencias y samplers electrónicos se entrelazan orgánicamente con guitarra, bajo y voces en una experiencia con material inédito, así como repertorio de sus previos trabajos. Influenciados por el trip hop de los noventas (Massive Attack, Björk, Portishead) proponen un estilo con sonoridades e influencias diversas. Desde su primer trabajo “Espirales” (2012) y pasando por “Aquí/Ahora” (2015).

https://www.facebook.com/MUNNbanda/

LA MAFIANDINA (Cotacachi – Ecuador) 

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Proyecto musical liderado por la cantante Taki Amaru, que propone el rescate de la cultura ancestral andina a través del kichwa, los instrumentos y ritmos andinos, fusionados con el hip-hop y otros ritmos urbanos. Tiene un formato de Cantante, DJ y VJ. La Mafandina presenta en vivo un ritual energético, incluyendo varios elementos escénicos que evocan a la vida en las montañas. Sus temas son profundos e introspectivos. Este año presentan su nuevo disco, que les abrirá las puertas hacia nuevos horizontes.  

https://www.facebook.com/LaMafiAndinA-1628384490790049/

PARCA (Quito – Ecuador) 

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Banda de Death Metal experimental formada en el 2011, se caracteriza por comunicar un mensaje que deja marca en la conciencia. El concepto general del proyecto musical gira en torno a la impermanencia, emociones y sensaciones que se producen en los seres humanos. Fusionan varios géneros obteniendo un estilo propio. Parca ha dado conciertos dentro y fuera del país, sus temas fueron reseñados por la revista underground brasileña Incarceration. En el año de 2016 PARCA lanzó su primer disco ¨Larga¨ y en junio de 2019 presentaron su nuevo disco ¨Obscena Agonía¨, con participaciones de varios artistas de la escena nacional como Notoken y Ente.

https://www.facebook.com/parcaecuador/

LA GAVILLA CHANGORETA (Medellín – Colombia) 

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Gavilla siginifca pandilla y changoreta es algo chueco o cojo, se juntaron en 2009. A partir del concepto, “música desde la calle”, la banda propone una fusión entre los géneros de las músicas urbanas, el folclor caribeño, andino, antillano y latino en general, involucrando a otros géneros y elementos sonoros derivados del rock, el metal y el hip hop, en adiciones a sonoridades alternativas y efectos sonoros orgánicos. 

El primer álbum de la Gavilla Changoreta, lleva el nombre de la banda y en 2019, luego presentaron su segundo álbum ¨Larga duración¨, junto a su primer sencillo ¨Tic nervioso¨, siendo reconocidos por la revista ¨Shock¨ como la banda revelación de Colombia.  

https://www.facebook.com/gavillachangoreta/

GERALDINE EGUILUZ (Quebec – Canadá)  

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Geraldine Eguiluz es compositora, cantante, guitarrista, trompetista, docente e investigadora musical. Nació en la ciudad de México en 1969, ciudadana del mundo y políglota desde la infancia, creció en Bogotá, Lisboa y París. Se desenvolvió desde finales de los ochentas, en el mundo del jazz y la creación musical. Estudió en la ESM con Francisco Téllez, Manduka. Su música ha sido tocada e interpretada por Lafayette String Quartet en Banff, Canadá. La obra de Geraldine Eguiluz está en constante transformación y evolución, inspirada por el imaginario musical y espiritual de las civilizaciones mesoamericanas antiguas y las contemporáneas; integra lenguas, dialectos, sonidos y ritmos de las músicas Afroamericanas, lenguajes musicales que se transmiten por la escritura y la oralidad, con la intención de crear una música nueva y creativa, creando lazos, conexiones, belleza, consciencia y luz al mundo de hoy.

https://www.facebook.com/EguiluzGeraldine/

JOE LE BON (Finlandia / Berlín – Alemania)  

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Joe Le Bon es un artista de Finlandia con 20 años de experiencia, fundador de varios proyectos de tecnología, música y proyectos visuales. Jarno es el autor del libro y juego “Henry von Blockhearts – Un viaje que no puedes escapar”, que ayuda a los líderes empresariales a probar en el futuro su negocio diario para viajes espaciales y mundos descentralizados. Escribió la canción #1 de Beatport “Tim Deluxe – Transformation (DJ Hell remix)” en 2012. Ha realizado conferencias y festivales en Europa y Rusia donde construye instalaciones audiovisuales con música de aurora boreal, sauna finlandesa, ADN humano, virus del Ébola, transacciones de Bitcoin y mercado de criptografía. Jarno ha creado experiencias únicas e interactivas con los visitantes de los eventos, convirtiéndose en un espectáculo audiovisual enérgico. 

https://www.facebook.com/joelebonmusic

ZIR (Ambato – Ecuador) 

Zir nace en el año 2018, fundada por Henry Muylema. Actualmente, la agrupación ha sufrido cambios inesperados, pero ya con una línea establecida cambiando de una voz femenina a una voz masculina para dar paso a una nueva etapa más madura de la banda. La banda ambateña inclinada al rock también tiene influencias en el blues, jazz, new wave, jangle pop, garage rock y psicodelia. A inicios del 2019 lanzaron ´Solar´su primer single con la colaboración de Kevin Urbina de Roditore, además lanzaron su EP “Once” en recuerdo a Gabriel Galarza (+). 

https://www.facebook.com/zirecu/

PITEKUS (Quito – Ecuador) 

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Es una propuesta musical que propone un mestizaje sonoro donde se explora la riqueza musical del Ecuador y sonoridades de nuestra herencia: elementos africanos, árabes e indígenas que entran en juego en esta búsqueda de una identidad. Pitekus es un personaje creado por el músico y compositor Fidel Minda, artista revelación ecuatoriano. En su proyecto musical retrata a un aborigen que vive en la actualidad y que a través de la música va recordando de donde proviene, de esta manera reinterpreta la música del Ecuador y sonidos que provienen de otros imaginarios.

Pitekus ha participado en el “International Body Music Festival ” en Estambul 2012, en Paris 2016 y Alemania 2017, ha realizado varias giras y workshops en más de 15 países entre Europa, Asia, África y América Latina. Fue ganador de los fondos de movilidad IBERMUSICAS para realizar una gira MÉXICO TOUR 2020 – PITEKUS. Este tour se realizará en el mes de noviembre 2020.

https://www.facebook.com/ProyectoPitekus/

HUAYA-NAY (Tulcán – Ecuador) 

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Proyecto musical ecuatoriano que nace en la ciudad de Tulcán, actualmente con residencia en Quito. Estudian las culturas del Ecuador y Latinoamérica especialmente la cultura Pasto, rescatan y fusionan la música tradicional de esa cultura con elementos de música electrónica obteniendo géneros como: Bomba Dub, World Music, Outernational House, entre otros.

Han compartido escenario con diferentes artistas nacionales e internacionales, formando parte de un ecosistema musical andino contemporáneo. 

https://www.facebook.com/huayanayofficial/

PATO ROMO  (Ambato – Ecuador) 

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Pato Romo, canta-autor y productor musical ecuatoriano inmiscuido en la experimentación rítmica y melódica del Rap y hip hop. A mediados del año 2010 estableció su proyecto como solista llamado “McPato.Ec”, con el cual participó de varias colaboraciones, conciertos y la gesta del disco “Tras Un Sueño”.

Sus estructuras literarias están basadas en la cotidianidad universal e inspiradas en acontecimientos del folclor urbano y rural, siendo parte del sello discográfico ambateño ‘BocetoPro’.

Actualmente, ha reinventado su primer proyecto “McPato.Ec”, y ha dado forma a Pato Romo con la experimentación de estilos y estructuras de vanguardia en un contexto personalizado y realista, acompañado de nuevas formas, pero con la misma esencia del  hip hop.

https://www.facebook.com/PatoRomoOficial

https://www.instagram.com/ThePatoRomo

DON BOLO (Quito)

Don Bolo es una banda instrumental experimental de Criminal Punk Jazz nacida en algún momento del 2015 en las calles de Quito. En noviembre del 2018 sale el primer disco de la banda titulado El Principio Del Fin, grabado y producido en la ciudad de Guayaquil, en Ermitaño Records. Actualmente la banda se encuentra grabando su segundo álbum de larga duración. Don Bolo ha participado en festivales como la Fiesta de la Música en Guayaquil y Cuenca, Festivalfff 2019, Zapateafest en Machachi, Festival Protoboard en Ambato y ha estado en conciertos en diferentes ciudades del país. Don bolo es Emilio Montenegro en el bajo, José Hernandez en batería, Daniel Gachet en guitarra y secuencias, Pedro Naranjo en saxofón barítono y flauta traversa, Luis Sigüenza en saxofón alto y flauta traversa. 

https://donbolo.bandcamp.com/

EL EFECTO (Río de Janeiro Brasil) 

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Formada en 2002, en la ciudad de Río de Janeiro, la banda “El Efecto” tiene el eclecticismo como rasgo fundamental de su sonoridad. Las composiciones resultan de procesos de investigación sobre los lenguajes de distintas tradiciones y géneros musicales vistos desde una mirada contemporánea. Es uno de los principales nombres de la escena independiente brasileña. Este año la banda celebra 18 años de historia con su quinto disco de estudio: ”Memórias do Fogo”, donde se evidencia la profundización del proyecto, a través de un gran panel de ritmos, mezclando las inquietudes estéticas y el compromiso político.

https://www.facebook.com/bandaelefecto/

NDE RAMIREZ (FORMOSA – ARGENTINA)

El Colectivo Multimedia de folk rock NDE RAMIREZ. Nace en Formosa como un proyecto en 2006 producido por el músico y diseñador audiovisual Marcos Nde Ramirez quien a través de diferentes formatos (performance, muestras audiovisuales, etc) empieza a presentar música que fusiona el rock y la psicodelia con los ritmos y sonidos de su región (Litoral Argentina).

La idea de salir a tocar en vivo estas canciones genera una formación de banda con instrumentos del Folklore y también del Rock por donde han pasado destacados músicos de Argentina y Paraguay. Esta particular propuesta audiovisual ha recorrido toda la Región Litoral y Región Centro Argentino y el vecino país PARAGUAY en más de 300 shows desde su formación con una particular forma de presentarse donde se destacan incursiones en el Teatro Rock, con bailarines y actores que ilustran una poderosa fusión de folk rock latino.

http://www.nderamirez.com/

https://www.facebook.com/NdeRamirezHorrorFolk

Fredy Vallejos (UArtes – Guayuaquil)

Fredy Vallejos ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia, Francia y Suiza.

Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa principalmente en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAC (composición Asistida por computador) y en la relación del sonido con otras formas de arte.

Sus obras se han presentado en más de 15 países y participado en festivales como AIMAAKO, Archipel, Charlesroi Danses, DOCK.fest, Escuchar-Sonidos Visuales, Encuentros Sonoros, Experimenta Sur, FICCI, IDFA, Milano Musica, MANIFESTE, o Visiones Sonoras entre otros. Laureado del Multimedia Prize (Milan), del concurso de composición André Jolivet (Francia) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.

Segundo puesto y Premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional afro colombiana Petronio Alvarez. Residente en la Cité International des Arts de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne, de la Fundación Simón Patiño, del Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali-Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza).

https://www.facebook.com/fredy.vallejos

Los artistas y profesionales seleccionados fueron elegidos por convocatoria pública por los curadores Daniel Merchan, Vanessa Bonilla y Pablo Dávila el 15 de febrero de 2020, el Festival debía realizarse en mayo de 2020, más por la crisis sanitaria del COVID19 nos vimos obligados a suspenderlo, sin embargo nos hemos reprogramado el festival para hacerlo virtual, para fortalecer la escena musical ecuatoriana nuestro apoyo.Agradecemos a todas las personas e instituciones que nos han acompañado y guiado en el camino. 

“Este material se realizó como resultado de la Convocatoria Pública Nacional para Festivales Emblemáticos 2018-2021,  impulsada por el Instituto de Fomento a la Creatividad y la  Innovación IFCI”

Una producción del Colectivo Central Dogma

2020

www.festivalfff.org

CENTRAL DOGMA dictará uno de los cursos online de Producción y Gestión Musical “CONEXIONES MUSICALES EN IBEROAMERICA”

 

Con mucha alegría queremos contarles que por invitación del Centro Cultural Centro Cultural Juan De Salazar (Paraguay) y Mamboretá Psicofolk en el marco de su programa #MusicaOkape tenemos el honor de parte de los profesionales que dictarán el Curso Online de Producción y Gestión Musical “CONEXIONES MUSICALES EN IBEROAMERICA”.

 

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Podrán enviar sus postulaciones: hasta el 21 de Julio a través de este formulario. Plazas limitadas.

Tras este complicado parón, el programa paraguayo Música Okápe 2020 vuelve con fuerza.

Como Central Dogma (Tania Navarrete / José Luis Jácome Guerrero) estaremos participando como talleristas en estos cursos online, que permitirán a artistas de todo Sudamérica acceder a una completa capacitación, impartida por músicos, productores, comunicadores y profesionales de la industria musical de varios rincones de América Latina y España.

Este curso está orientado a los artistas musicales que quieran desarrollar proyectos concretos. Así, recorrerán desde la creación de narrativas con enfoque local y perspectiva global, hasta la producción, la comunicación y las giras y mercados internacionales.

Cada lunes, comenzando este 27 de Julio, y a través de la plataforma de e-learning Moodle, se liberarán los contenidos, repartidos en 12 módulos hasta el 15 de Octubre.

Plazas limitadas a 30 participantes. Para postular, pueden hacerlo a través de un formulario, acá. Las plazas serán asignadas atendiendo a criterios de diversidad artística y musical por el equipo organizador de Música Okápe, gestores culturales especializados en música.

CONTENIDO DEL CURSO

27/07
1er MÓDULO / VIVIR DE LA MÚSICA por BENJAMIN TAUBKIN (Brasil), músico, curador, gestor y productor.

3/08
2do MÓDULO / HISTORIAS MUSICALES en IBEROAMÉRICA por BETTO ARCOS (Mexico), periodista musical y programador, miembro de la Red PeM ( Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica).

10/08
3er MÓDULO / GESTIÓN Y TRABAJO EN RED / SINGULARIDADES por Tania Navarrete y José Luis Jacome Guerrero de CENTRAL DOGMA (Ecuador), colectivo de artistas productores, programadores de festivales y encuentros musicales.

17/08
4to MÓDULO / MUSICA DE RAIZ – MÚSICA GLOBAL por YIGO SUGASTI (Panamá), cantautor, gestor cultural y director de Fundación Tocando Madera.

24/08
5to MÓDULO / PRODUCCIÓN ARTÍSTICA E IDENTIDAD por YVIS FLIES (Ecu), músico , gestor cultural y compositor. Director de AYA Records.

31/08
6to MÓDULO / Parte 1: NARRATIVAS MUSICALES REGIONALES por MARCOS NDE RAMIREZ (Argentina), músico y productor, director del sello Mamboretá Psicofolk .

Parte 2: COSMOFONÍAS por MITO SEQUERA, etnomusicólogo e investigador (Paraguay).

07/09
7mo MÓDULO / COMUNICACIÓN E IDENTIDAD por HUMPHREY INZILLO (Arg), periodista, integrante de la Red PEM. Invitada especial: MAVI MARTINEZ (PY), periodista cultural en ABC Color y Red PEM.

14/09
8vo MÓDULO / CONSTRUIR IMAGINARIOS PROPIOS por SEBASTIÁN FRIEDMAN (Arg), artista visual, fotógrafo y docente.

21/09
9no MÓDULO / EL VIAJE DE LA MÚSICA LATINA por ALEX GARCÍA AMAT (España), periodista en Radio Gladys Palmera y La Coctelera Music.

28/09
10mo MÓDULO / CONEXIONES MUSICALES por SERGIO ARBELAEZ (México), Comunicador, Gestor y Director de la feria musical FIMPRO.

05/10
11vo MÓDULO / CREANDO CIRCUITOS MUSICALES por Maria Carrascal (Arg) Productora y Gestora Musical.

12/10
12vo MÓDULO / FERIAS Y MERCADOS DE LA MÚSICA INDEPENDIENTE EN IBEROAMÉRICA por PAULA RIVERA (Arg) Vicepresidenta del Instituto Nacional de Música INAMU.

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Colectivo Central Dogma da su testimonio como creativos resilientes en Hoja de Ruta del Departamento de Cultura de Cuenca

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Como cada viernes, la Alcaldía de Cuenca y su Dirección de Cultura, Recreación y Conocimiento, invitan a la ciudadanía a sumarse al diálogo con actores y gestores culturales, en el marco del programa Hoja de Ruta: testimonios de creativos resilientes.

Este 5 de junio el encuentro será a las 17:00, con los integrantes del Colectivo Central Dogma, liderado por los artistas y curadores José Luis Jácome Guerrero y Tania Navarrete, estarán presentes Diego Morales Oñate, Gabriel Roldos, Kike Jácome, Vera Primavera y Tatta Rodriguez.

Colectivo Central Dogma da su testimonio como creativos resilientes

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Este viernes en #HojaDeRuta: testimonios de creativos resilientes, conversaremos con Central Dogma, un colectivo de larga trayectoria de artistas que piensan y actúan juntos.
📅 Viernes 5 de junio
17:00
🌐 YouTube: t.ly/yBsm
Link Youtube 

Más info en:
NOTAS DE PRENSA:

PANDEMONIUM… en el contexto de una crisis pandémica

 

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Compartimos este texto escrito por el gestor, productor cultural y maestro Octavio Arbelaez, presidente de la Asociación para el desarrollo de la Música Iberoamericana ADIMI, de la que tenemos el honor de ser miembrxs fundadores.

Es importante poder reflexionar sobre este momento histórico y también proyectarnos a un posible mundo post pandemia, en el que nos tocara trabajar con más desempeño para salir adelante y sobrevivir con dignidad. 🍀

 

PANDEMONIUM

En el contexto de una crisis pandémica que está poniendo al mundo a pensarse en otras dimensiones, somos conscientes que las artes están siendo golpeadas, y dentro de ese espacio, son muchos festivales, conciertos y eventos cancelados o pospuestos en el mundo entero . Teatros, museos y otros espacios culturales han suspendido sus actividades, y muchos tratan de continuar a través de plataformas web y las herramientas tecnológicas, pero brindando este acceso de manera libre y gratuita como contribución a ese “permanecer en casa” que se propone desde las esferas de gobierno.

La propagación e intensidad del virus es más que preocupante y queremos expresar nuestra solidaridad con todo el sector cultural: los festivales, artistas, audiencias y las familias afectadas por esta crisis, y, desde luego con todos los que desde diversas posiciones hacen posible que la magia de la producción cultural y su relación con el espectador sea un momento único e irrepetible.

Muchas horas de trabajo y desvelos puestos al servicio del desarrollo de ideas creativas crecerán en este periodo de cuarentena y distanciamiento social como un momento de pausa y reflexión que servirá para proponer nuevas ideas, para aprovechar el descanso de la rutina diaria y prepararnos para ediciones aún más emocionantes de nuestros festivales, ferias, mercados, encuentros y todos esos espacios que significan recuperar el contacto personal, socializar , interactuar en directo con los demás y no a través de pantallas, a dejar de lado el aislamiento y volver a sentir el calor de las relaciones personales y la energía de las manifestaciones colectivas, sean culturales o de cualquier otro tipo.

En esta especie de “entrar en pausa” universal, la propuesta de uso del tiempo orientada a los confinados (desde luego con una gran masa de excluidos, tanto desde la dimensión cultural propiamente dicha como desde la posibilidad de acceso a contenidos digitales) ha sido recurrir a la cultura. Se ha accedido a ella sobre todo por diferentes medios digitales, o por la televisión abierta y de pago, y esta se ha mostrado generosa, a través de enlaces, visitas virtuales a museos , obras de teatro, o piezas de danza, películas, lecturas de textos literarios y todo un sinfín de contenidos ligados a dispositivos tecnológicos y múltiples ofertas de conferencias, foros y encuentros en las redes sociales. Desde luego no es considerada, en las prisas por llenar ese “tiempo vacío” en la gratuidad de la mayor parte de esa oferta, ni en que los artistas que abren sus creaciones al disfrute público de manera generosa han dejado de percibir ingresos para su sustento.

Nos utilizan y acercan al espectador ante un espejismo, nos invitan a disfrutar de la “cultura del confinamiento”, en una especie de prueba piloto de la digitalización universal, sin que de allí se derive la emoción estética de la aproximación a la obra viva, representada, escuchada, palpada, se trata acaso de decretar, nuevamente la muerte de las artes vivas?

Somos conscientes en nuestro sector de que la recuperación será ardua y larga. Especialmente, vamos a tener que enfrentar, por un lado, el tradicional trato que recibimos de parte de los gobiernos de nuestro espacio cultural común iberoamericano de destinar presupuestos muy cortos y, por otro, con lo que será un largo proceso de recuperación de la confianza, después del miedo y rechazo por una parte de la ciudadanía cultural a volver a reunirse, relacionarse y disfrutar colectivamente de las manifestaciones culturales.

El asunto de la lucha contra la cultura del miedo no es solo una trama de la acción de las instituciones del gobierno, sino que debe ser apropiada singularmente por parte de los movimientos sociales y creativos.

El miedo como relación social expropia la energía del cuerpo y la capacidad de construir un mundo del habla, la conversación y la imaginación. Si bien en este camino se ha avanzado significativamente, el confinamiento genera una relación con el “afuera” y con el “otro” que habrá que valorar en los nuevos contextos post pandémicos.

Desde esta perspectiva pedimos a los gobiernos nacionales, regionales y locales de latinoamérica que se ponga especial interés en buscar los espacios participativos y de consenso necesarios para considerar y reactivar la presencia de la cultura y las artes de tal suerte que podamos hacer de la cultura un tipo de relación social que mejore la vida y abra nuevas perspectivas para cada uno de nuestros países, pero asumiendo la difícil realidad que se configura en el mundo contemporáneo, la cultura es un recurso de la especie humana por superar sus propios déficits de sentido y de existencia, y por ello, su capacidad crítica no solo de la condición de su calidad interna sino sobre todo lugar para que la vida de cada cual se haga una empresa de aventura que amplíe recurrentemente los límites a los que somos sometidos en los tiempos que corren.

Desde el punto de vista práctico proponemos algunos referentes para las acciones a diferentes niveles

Planificación de las acciones de las instituciones culturales públicas nacionales regionales y locales –

Ha pasado el tiempo, y los países, los territorios, y algunas autoridades sectoriales, han tratado de dar respuesta a través de medidas sociales y económicas que consideran adecuadas por parte de sus gobiernos, atendiendo a la inmediatez, pensando en la seguridad alimentaria y la salud, en agilizar convocatorias públicas y en el acceso a algunos limitados recursos, pero aparte de la coyuntura tenemos que proponernos mirar más allá, entender que la cultura es un componente esencial de esa vuelta a la vida, a la cotidianidad y al mundo que debemos reconstruir , y ello requiere especialmente dotar de recursos económicos adecuados a los ministerios o instituciones públicas del sector, en nuestro caso sugerimos especial atención para el sector de la música independiente que ha sido clave para sobrellevar la crisis.

-Lo jurídico: Adicionalmente revisar la normatividad vigente, y adoptar medidas de contingencia con reglas claras y flexibles para la gestión de los eventos que deben aplazarse o cancelarse, y los compromisos que se adquieren por parte de los creadores y las organizaciones culturales.

-Lo económico: Es importante que los gobiernos nacionales, regionales y locales, en la medida de sus posibilidades y rangos de actuación, adopten planes con medidas como la protección a trabajadores y empleados independientes o “intermitentes”, subsidios de desempleo, apoyo para el pago de nóminas de los trabajadores de pequeñas empresas, acceso a préstamos sin comisiones y reducción de los tipos de interés, postergación en el pago de alquileres/arriendos e hipotecas, desgravaciones fiscales y reducción del IVA, suspensión / postergación de impuestos y pagos a seguridad social o fondos de pensiones, e iniciativas fiscales para estimular las inversiones y la recuperación tras la crisis.

En síntesis : Proponemos la eliminación temporal de impuestos para todos los servicios y bienes culturales.

Promoción de la asociatividad y de las acciones sectoriales – La asociatividad es frágil en la mayoría de nuestros países y el diálogo intersectorial debe darse en condiciones de solidaridad e inteligencia para generar propuestas de consenso y actuaciones de fortalecimiento de todos los que pertenecemos al mundo de la industria musical y su cadena de valor. No basta el lobby sectorial, debemos actuar como actores de un importante sector de la cultura que genera empleo y valor.

-Papel de las entidades de gestión – Sabemos que en el contexto de nuestra América no todas las sociedades de gestión cumplen papeles de liderazgo sectorial, no obstante creemos que las entidades de gestión (de autores, intérpretes y productores) deberían actuar, canalizando la solidaridad de los artistas mainstream para con los del sector independiente, crear fondos de emergencia para sus miembros más vulnerables y ofrecer adelantos de las regalías y préstamos sin intereses.

-Relación con las plataformas de servicios digitales – A nivel mundial se han presentado algunas acciones de las grandes plataformas, pero existe un tejido de pequeñas y medianas plataformas en nuestros países que gestionan los servicios de streaming y recaudan derechos de autor y conexos, estás empresas deben ser apoyadas, pero tanto estas como las plataformas internacionales deben ser invitadas a pagar las liquidaciones de manera ágil, ofrecer adelantos a todos los titulares que lo necesiten, fomentar la música, las artes escénicas y los artistas locales con playlists, videos de espectáculos y apoyar las campañas y acciones locales en redes sociales.

– Los medios de comunicación – Las emisoras de radio, públicas y privadas, la televisión y otros medios deberían promover la música y artistas locales con un mayor contenido en su programación de la música nacional y local, poner el foco en artistas independientes, promocionar nuevos lanzamientos locales, y apoyar las campañas y acciones locales en sus redes sociales. En el caso de las artes escénicas, divulgar la oferta de pago que hagan las agrupaciones en sus canales de divulgación digitales.

Buenas prácticas – Monitorear y divulgar las buenas prácticas que podamos referenciar de los países de la región, desde lo público hasta lo gremial o lo privado, apoyar los estudios que se están realizando para que se objetiven las referencias cuantitativas del sector, tales como pérdidas económicas, empleo, impacto en el turismo de eventos etc.

Atención a los lineamientos de los organismos supranacionales – La voz de los organismos supranacionales, tales como Unesco, OEI, SEGIB etc. y su impacto en las acciones de gobierno en nuestro ámbito geográfico, son necesarias en este momento en que se necesita alinear las políticas públicas para la recuperación del sector. Participar de sus convocatorias, suplir de información, y proponer acciones a través de fondos de ayuda internacionales gestionados por ellos, o acceso a créditos en la banca multilateral, son necesarios para complementar los planes nacionales e impulsar la recuperación económica sectorial .

Octavio Arbeláez

Hoy participaremos en la conversación “Laboratorios ciudadanos en tiempos de crisis”

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Por invitación de Camilo Cantor de El Exploratorio de la ciudad de Medellín – Colombia, el día de hoy 31 de marzo, a las 6:00 p.m, participaremos en el  Encuentro virtual, para hablar sobre los laboratorios en tiempos de crisis.

Aunque estemos aislados, no hay que dejar pasar la oportunidad de encontrarnos y fortalecer lazos y las redes de trabajo y de cooperación. 

En este orden de ideas, les informamos que durante la charla abordaremos los siguientes temas:

  • Importancia y papel de los laboratorios en tiempos de crisis (no solo COVID-19, sino durante crisis políticas, sociales, económicas, etc.)

  • Situación y destino, durante esta crisis, de las comunidades, grupos y personas que normalmente habitan los labs.

  • Estrategias para llevar la programación de los laboratorios a formatos adecuados para este momento de aislamiento.

  • Proyectos e iniciativas remarcables (propios o que conozcan) que se hayan generado durante la coyuntura del COVID-19.

  • Futuro de los labs (una vez pase el confinamiento) en la transformación política y social a la que vamos a enfrentarnos.

https://www.youtube.com/channel/UCSH9e4-QLa0aEm1604viGQg

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Residencia de creación musical en la montaña con el pianista Benjamim Taubkin – SUSPENDIDA!!!

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Residencia de creación musical en la Montaña, por Benjamim Taubkin – – SUSPENDIDA!!!

Agitando Cultura (Argentina), Plan Arteria (Quito, Ecuador) y el Colectivo Central Dogma (Ambato, Ecuador), convocan a la “Residencia de Creación Musical en la Montaña” con el pianista “Benjamim Taubkin” músico, curador y productor brasilero al que avalan cuarenta años de trabajo en numerosos proyectos musicales en todo el mundo.

Desde la participación con orquestas sinfónicas hasta la improvisación libre, pasando por la música contemporánea y el jazz, se puede afirmar que Benjamim trabaja con los diálogos. Crea conversaciones entre la música y otras artes como la danza, la literatura, la poesía, el teatro y el cine. También entre diversos géneros, formaciones musicales y músicas de raíz de países del mundo. Su camino demuestra que las fronteras musicales no existen. Lleva una vida llena de viajes y música y ha pasado por diferentes experiencias y puentes musicales. Desde la música clásica al hip-hop, pasando por las tradiciones brasileras como la Samba, el Maracatú, el Choro y el Congado y en diálogos con músicos de todo el mundo en Corea, India, Marruecos, Israel, España, Sudáfrica, Argentina, Colombia, Venezuela, Bolivia, entre otros.

 

Benjamim es además un gran gestor cultural y programador de hermosos espacios para la música, tanto brasileña como del mundo. Afincado en San Pablo ha sido curador para la Secretaria de Cultura de SP, el Itaú Cultural, el Mercado Cultural de Bahía, Europalia. Creó y es director del sello discográfico Núcleo Contemporáneo y tuvo su propio Centro Cultural en la ciudad mas grande Sudamérica. Ha abierto puertas a infinidad de músicos y agrupaciones de todo el mundo para realizar giras en Brasil.

 

En esta residencia, Bejamim Taubkin , busca nutrirnos de  las experiencias musicales que ha vivido. Se enmarca en “Pujinostro”, la residencia en la montaña especialmente diseñada para estar conectados con la naturaleza de los Andes ecuatorianos, la música y el arte.

 

CONTENIDOS

El contenido de la residencia está centrado en la creación a partir de los músicos y los instrumentos que compondrán el ensamble. La composición y los arreglos sucederán en tiempo real, inspirados por el colectivo conformado por los músicos participantes.

En la elaboracion de este material, Benjamim, va contextualizando aspectos de la creación, la interpretación , la improvisación, el leguaje y la identidad. Conducirá al grupo hacia una experiencia de aprendizaje práctico pero a la vez profunda.

Mientras tanto, en los ratos libres, se seguirá compartiendo intercambiando con degustaciones platos típicos de Ecuador con vegetales orgánicos sacados de la propia huerta, con quesos regionales, aguas de hierbas locales, paseos por la tierra y contemplación de la naturaleza.

El Lugar

Pujinostro propiciará un espacio cómodo y cálido para el encuentro, la creación, la convivencia y el intercambio de conocimientos.  Hay disponibilidad de un estudio de grabación, cámaras, una gran cocina, un gran comedor, y la casa para descansar con su propio hogar. Está enmarcado en Pujilí, una chacra familiar con su propia huerta y cria de animales.

NECESIDADES

  • Se requiere un nivel medio o avanzado. Los iniciales pueden participar como oyentes y vivenciar los procesos
  • Cupo limitado a 8 participantes
  • La residencia es abierta a todos los instrumentos
  • Requiere inscripcion previa a través de este formulario y pago de la inversión.

DATOS IMPORTANTES

 

Fechas y horarios: desde jueves 9 de abril a las 12:00 hasta el domingo 12 de abril a las 10Hs.

 

INVERSION

180,00 USD. Si te inscribís antes del 15 de marzo

200,00 USD. Luego del 15 de marzo

 

Tu espacio estará reservado una vez efectuado el pago.

La inversión incluye asistencia a la residencia/taller, certificados, hospedaje en cuartos compartidos y alimentación.

 

Inscripciones aqui: 

https://docs.google.com/forms/d/1O1cqjyRNLdM9rgNgF6S9GjU79rpFmiJ2PNcBgG0MLoM/edit

Teléfono de contacto: 0984888998

Email: centraldogma995@gmail.com

Coordinadores: Colectivo Central Dogma, Agitando Cultura e Hilo Negro

Su lugar estará reservado una vez efectuado el pago.

 

 

Más acerca de Benjamim Taubkin

 

La musica brasileira y su diálogo con otras culturas viene siendo el campo de actividad de Benjamim Taubkin, pianista, arreglador, compositor y productor brasileño. Participó como músico y productor en más de 150 discos. Él es el responsable del Proyecto Núcleo Contemporáneo, productora y grabadora.  Y como emprendendor creó y programó durante varios años un centro cultural en la Ciudad de San Pablo. Desde 1997 inició diferentes  proyectos  musicales  como la Orquesta Popular de Cámara, el Conjunto de Choro, Moderna Tradição, el trabajo con el grupo de música tradicional Clareira, el cuarteto de jazz Trio + 1 y el coletivo América Contemporánea, que reúne músicos y repertorio de países de América del Sur. Viene colaborando con músicos de diversos países como Marruecos, Corea del Sur, Sudáfrica, India , Israel,  España, Argentina, Bolivia  y Colombia. Entre los projetos recientes están Fronteiras Imaginarias con el saxofonista colombiano Antonio Arnedo, Sons de Sobrevivência con el duo Soukast, O Pequeno Milagre de Cada Dia, con Joao Taubkin y el músico israelí Itamar Doari. En 2017 se estrenaron dos documentales en los que participa, el film O Piano Que Conversa, del diretor Marcelo Machado que retrata 5 encuentros musicales en los que el piano de Benjamim interactúa con diferentes músicos y culturas en su país, en Bolívia y en Corea del Sur, creando ambientes de mucha belleza. También Música na Serrinha con la participación de  12 músicos de todo el mundo como Marcos Suzano, Jaques Morelenbaum e Mayra Andrade, entre otros . Ambos filmes fueron premiados en diferentes festivales. Se presenta regularmente desde el formato de Piano Solo al de orquestra sinfónica, en festivales, centros culturales en Brasil,  América Latina, Canadá, Estados Unidos, Europa y Medio Oriente. Además, como gestor, Benjamim coordinó y programó diversas inciativas en  instituciones públicas y privadas como la Secretaria de Cultura del Estado de Sao Paulo, Itaú Cultural, Mercado Cultural da Bahia y SESC, entre otras. Es miembro del Forum Europeo de Festivales de Música del Mundo y de la  Asociación Iberoamericana para el desarrollo de la Música (ADIMI) .

 

Trailer de O piano que conversa: 

 

Musica en la Serrinha

 

Mas acerca de Pujilí y Pujinostro

 

Pujinostro es un cuartel general para artistas, ubicado en el área rural de la sierra ecuatoriana, con miras a la producción de pensamiento crítico, desarrollo creativo y experimentación. Pujinostro es lugar perfecto para todas las personas que deseen recuperar fuerzas, compartir el pan y el pensamiento, meditar, e inspirarse y crear obra, aprendiendo de la ruralidad y los saberes tradicionales.

  1. El participante deberá llegar a la ciudad de Pujilí por sus propios medios.
  2. Durante la residencia en Pujinostro: el alojamiento será en dormitorios compartidos.
  3. Durante la residencia en Pujinostro: la alimentación (desayuno, almuerzo y cena) será preparada con amor por todos los participantes.
  4. Cuidados personales: los medicamentos y artículos de uso personal son responsabilidad del residente.
  5. Seguro:la residencia no ofrece ningún tipo de seguro, por lo tanto, los residentes se responsabilizarán por su propia salud y por sus bienes.
  6. Los participantes facilitarán registros fotográficos y de video, así como textos, que realicen durante la residencia para ser incluidos en publicaciones, ediciones digitales y la página web de cada actividad.
  7. Se extenderán cartas de invitación a los seleccionados que las soliciten para que gestionen fondos de ayuda para su participación.

Más sobre Agitando Cultura:

Agitando Cultura es una agencia de contenidos musicales con base en Argentina. Ellxs, trabajan para desarrollar, posicionar y comunicar artistas argentinos y latinoamericanos potentes, con identidad, novedosos y proponemos un diálogo profundo entre el mercado y el arte. Su campo de acción es el management,  el booking,  la producción y los encuentros académicos.

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Taller “El valor público de los archivos”

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Taller “El valor público de los archivos”

Viernes 22 de noviembre de 2019

En la Biblioteca de la UArtes a las 11 de la mañana:
En este taller abordaremos al archivo como algo más que un repositorio para la protección y difusión de datos; los archivos son espacios de interacción, creatividad y socialización. Cómo artistas investigadores, en este taller intentaremos dar respuestas a las interrogantes de: ¿Cómo potencializar el valor público de los archivos?, ¿Cuáles deberían ser nuestras aspiraciones y finalidades colectivas?, ¿Cómo convertir al archivo en un espacio común de cooperación entre colectivos de usuarios? y ¿Cómo se incentiva -a través de los archivos- el sentido de desarrollo autónomo y creativo?

Charla Archivomancia – Otras formas de entrar al archivo El Telégrafo”

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Archivomancia: Otras formas de entrar al archivo El Telégrafo”

Jueves 21 de noviembre de 2019

Guayaquil

Biblioteca de la UArtes

18:30 primer piso
Es una charla en la que el artista José Luis Jácome Guerrero cuenta con sus propias palabras cual fue su acercamiento al Archivo Histórico del Diario El Telégrafo, los resultados obtenidos y presentados en la Muestra “Archivomancia”, presentada en la Biblioteca, Galerías de Cristal de la UArtes.

INVITACIÓN PARA ASISTIR A LA MUESTRA ARCHIVOMANCIA EN LA BIBLIOTECA DE LAUARTES – GUAYAQUIL

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MUESTRA ARCHIVOMANCIA DE JOSÉ LUIS JÁCOME GUERRERO SE INAUGURA EN LA BIBLIOTECA DE LA UNIVERSIDAD DE LAS ARTES

 

La Muestra ARCHIVOMANCIA que se inaugurará el 23 de octubre a las 17H00  en las salas de cristal de la Biblioteca de la UArtes; es una relectura del Archivo Histórico del diario El Telégrafo, resultado del trabajo de investigación realizado por el artista José Luis Jácome Guerrero (proyecto ganador de la convocatoria 2018-2019 del Instituto de Fomento a las Artes, Innovación y Creatividades IFAIC).

 

Pilar Estrada, Directora de Espacios Culturales de la UArtes, afirma que esta es la primera interpretación que hace un artista sobre el archivo de El Telégrafo, y que abre una serie de exposiciones en esta línea. La muestra permanecerá abierta hasta el 23 de noviembre de 2019.

 

El artista propone como  punto de arranque de otras derivas, mostrar desde la ficción los archivos del Diario El Telégrafo, logrando que el archivo gane valor e incidencia en los públicos, difundiendo el potencial de imaginación y creatividad, que el archivo tiene en la actualidad para que estos documentos no terminen olvidados.  Así, Jácome logra que estos documentos se mantengan en movimiento, utilizando al archivo como herramienta  para contextualizar nuestro entorno, y luego descontextualizar reimaginar y ficcionar el archivo.

 

En esta muestra se podrá admirar además, el “santo grial” del comic ecuatoriano que son unas viñetas originales de un cómic jamás publicado de Miguel Ángel Gómez, creador de las series ‘Aventuras de Saeta y Rafles’, ‘Lo que se ve’, ‘Atún y Don Valentín’, ‘Semana Cómica’ y ‘Pepito Chumacera’ que fueron facilitadas  por el coleccionista Arquitecto Melvin Hoyos.

 

Así, de una manera lúdica, con la intención de posibilitar nuevos diálogos con comentarios críticos de nuestro presente, Jácome plantea nuevas formas para la interpretación de nuestro futuro, generando una fuerza que es ejercida mediante la acción y por consecuencia la atención a nuestros repositorios, sumándoles un nuevo sentido y poniendo a prueba la memoria colectiva. Atrayendo nuevas miradas creativas y libre pensantes, invocando al público cada vez más atento al arte secuencial, a ser  parte activa de esta “Archivomancia” que apuesta por hacer efectivo el derecho a recordar por nosotros mismos y a reinventar nuestra historia y proyectarnos al futuro en una especie de utopía pragmática.

Evento fb: https://www.facebook.com/events/601109173754118/

Inter[*]actos convoca a la charla: “Arqueología del Comic Ecuatoriano – Edición Guayaquil”

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Charla: Arqueología del cómic ecuatoriano. José Luis Jácome (ATF) +

Melvin Hoyos (GYE).

Lugar: Lobby, Biblioteca de las Artes – piso 1

Hora: 15:00 – 16:30

 

En el marco de Inter[*]actos, Encuentros Públicos de Artes, edición IV de la UArtes se presentará el conversatorio: “Arqueología del Comic Ecuatoriano – Edición Guayaquil”,

Este es un llamado a todos los fans y creadores a juntarse nuevamente para conquistar el espacio, por esta razón en la Biblioteca de la UArtes el 23 de octubre a las 15H00 ser realizará una charla con la presencia de el historiador y coleccionista de comics Arq. Melvín Hoyos y José Luis Jácome Guerrero, quien presentará los resultados proyecto de investigación cultural “COMPARTIENDO MEMORIAS – Ejercicio de exploración sobre los archivos gráficos del Diario El Telégrafo”, (proyecto ganador de la convocatoria 2018-2019 del Instituto de Fomento a las Artes, Innovación y Creatividades IFAIC). En este espacio se dialogará sobre arte secuencial y la importancia de rescatar y conservar los archivos gráficos de Ecuador.

Evento fb: https://www.facebook.com/events/2511493222428915/

 

Muestra Visual: Arqueología del cómic ecuatoriano se presenta en Inter[*]actos

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Muestra Visual: Arqueología del cómic ecuatoriano – José Luis Jácome (ATF) – (Apertura).

Lugar: Museo Municipal, Sucre entre Chile y Pedro Carbo

Fecha y Hora: Martes 22 de octubre de 2019, 19:00 – 21:00

 

En el marco de Inter[*]actos, Encuentros Públicos de Artes, edición IV de la UArtes se presentará la Muestra: “Arqueología del Comic Ecuatoriano – Edición Guayaquil”, curada por los artistas Diego Lara (Neuropuerto) y José Luis Jácome Guerrero (Central Dogma).

 

Esta muestra reúne y junta hallazgos arqueológicos con extractos de dibujos de autores reconocidos de cómic ecuatoriano y permanecerá abierta desde el 22 hasta el 26 de octubre, en la que se conoce como la Sala de Artes Temporales del Museo Municipal de Guayaquil, ubicada en las calles Sucre, entre Chile y Pedro Carbo, ciudad de Guayaquil.

 

La exposición busca crear nuevos espacios para la reflexión, investigación, catalogación y circulación para el cómic ecuatoriano. Los creadores de la exposición partieron del futuro y armaron esta expedición arqueológica en su vehículo “Andino” y es que desde su visión, lo que buscaban es encontrar la mayor cantidad posible de viñetas fósiles, viejas y perdidas publicaciones, proyectos originales y escaneados digitales enterrados en viejos discos duros, disfrutando el arte de encontrar y descubrir los restos ilustrados del pasado gráfico ecuatoriano.

 

La muestra se presentará en Guayaquil, gracias a que forma parte de la programación de la cuarta edición de Interactos – Encuentros Públicos de Arte 2019 de la Universidad de las Artes y tiene el apoyo del el Municipio de Guayaquil, a través de su Dirección de Cultura y el Instituto de Fomento a las Artes, Innovación y Creatividades (IFAIC).

 

Más información en: https://www.facebook.com/interactosuartes/

YA LLEGA EL GRAFFF19

Nos complace en invitarlxs al GRAFFF19 vengan a vivir la fiesta del arte, la cultura e identidad, en Quito, Pujií y Mocha, 10 años creando espacios dispensadores de felicidad.

 

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X Festival de Arte Público Grafff19

Pujilí, Mocha, Quito – Ecuador

Marzo de 2019

“La belleza engendra la paz de forma tan necesaria como suficiente. El habitante de los espacios dispensadores de felicidad esta en paz consigo mismo y con su vecino”

-Hundertwasser

El GRAFFF19 es una plataforma de alto componente social con prácticas artísticas visuales que encaminan a sus gestores hacia la creación de espacios dispensadores de felicidad, mediante un intenso proceso de activación del escenario público y la recuperación de entornos arquitectónicos y de espacios de diálogo generadores de pensamiento libre e independiente.

Este festival desafía los límites tradicionales de los géneros artísticos, lo habitual y el prejuicio; busca la originalidad y la invención tangible del arte público y su necesidad de movimiento y alegoría. El uso social de la memoria y el registro se muestran en medios como el graffiti, el arte de acción, las artes aplicadas, el arte relacional, entre otros; para manifestarse en formas presentes y/o ausentes dentro del área geográfica de las ciudades.

El Objetivo general del GRAFFF es: Construir espacios de encuentro común y fortalecer la identidad nacional, las identidades diversas, la plurinacionalidad y la interculturalidad en las provincia de Cotopaxi, Tungurahua y Pichincha en los cantones de Pujilí, Mocha y Quito, impulsando los procesos de creación cultural en todas sus formas, lenguajes y expresiones, tanto de individuos como de colectividades rurales y urbanas; generando espacios de apropiación colectiva para la creatividad, la contemplación y la difusión artística y cultural en los territorios.

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