Para el colectivo Central Dogma, es muy grato comunicar que la Tania Navarrete – Actualmente Directora del Centro de Producción e Innovación MZ14 ha sido invitada a participar en “Musitur”, evento que se realizará el 4 y 5 de octubre en Valparaiso – Chile, y que propone vincular al mundo del turismo con el armónico ámbito de la música, con el propósito de generar una agenda común de desarrollo territorial en Valparaíso, en la lógica del fomento de los distritos creativos y culturales que es la temática central del evento Plataforma de Distritos Creativos y Culturales, América y Europa.
El Parque Cultural de Valparaíso es uno de los dispositivos culturales más importantes de la Región de Valparaíso. Este espacio público cuenta con áreas verdes y un mirador con una vista privilegiada de cerros y bahía de Valparaíso. Posee dos monumentos nacionales y cuenta con equipamiento de primer nivel para el fomento de diversas disciplinas artísticas. Es además un espacio de encuentro ciudadano y participación cultural que promueve la convivencia entre las personas. El Parque Cultural de Valparaíso es más que un espacio para desarrollar, presentar y vivenciar las artes. Es una experiencia que sitúa a público y comunidades en un Sitio de Memoria y en un lugar histórico, tanto por el patrimonio material como por la historia del lugar en el que se encuentra ubicado.
Entre los expositores estarán:
Tania Navarrete
Speaker/Ecuador
Es doctora en Ciencias Administrativas, con especialidad en políticas culturales. Fue directora provincial de Cultura de Tungurahua, es Directora del Mercado Laboral de las Artes de Guayaquil y Cocuradora del VII Encuentro Iberoamericano de Arte, Trabajo y Economía 2022. Tiene 20 años de experiencia en la gestión de proyectos, ha sido directora de múltiples festivales de Arte Público, Música, Audiovisuales, mantiene su proyecto de residencia artística rural “Pujinostro” en Cotopaxi. Actualmente dirige el Centro de Producción e Innovación MZ14 de la Universidad de las Artes de la ciudad de Guayaquil – Ecuador.
Paula Trujillo
Speaker/Colombia
Geopolitologa con más de 18 años de experiencia en procesos de desarrollo territorial y fortalecimiento del tejido creativo y cultural en América y Europa.Ha sido Directora de la Agencia de Cooperación y Negocios Internacionales de Medellín, Directora de Competitividad e Internacionalización de Inexmoda (gremio de la moda en Colombia), profesora asociada de la Escuela de Negocios EADA en Barcelona, Gerente del Hub activador del distrito creativo Perpetuo Socorro (Bodega/Comfama), Directora de Estrategia de Conexiones Creativas, miembro de juntas directivas, docente de universidades y asesora de empresas.
Mauricio Cifuentes
Speaker/Chile
Administrador de empresas de la Universidad de Valparaíso, gerente Programa Estratégico Regional Transforma Corfo Valparaíso Creativo. Con 15 años de experiencia trabajando con programas de emprendimiento e innovación, pasando por sectores públicos, privados y académicos, magister en Diseño de Ciudades Integradas UVM y Diplomados en Educación Vocacional y otro en Valorización de Activos de Propiedad Intelectual UDEC. Miembro inicial y actual directorio de la Red Nacional de Territorios Creativos.
Conrado Uribe
Speaker/Colombia
Curador de arte y gestor con más de 20 años de experiencia.
Director de Contenidos en Conexiones Creativas. Asesor de proyectos y empresas culturales y creativas, y de procesos territoriales. Lleva más de cuatro años conceptualizando el enfoque de Ecosistema Creativo y Cultural. Ha sido Director de Curaduría del Museo de Antioquia en Medellín y del Festival Loop en Barcelona.
Director académico de Talking Galleries en Europa. Curador de Arte Cámara en la feria Artbo y de El Acontecimiento de la entrega del informe de la Comisión de la Verdad en Colombia.
Lluís Torrents
Speaker/España
Codirector y Gerente de la emblemática Sala Razzmatazz de Barcelona. Presidente de la Asociación de Salas y Conciertos de Catalunya (ASACC). Miembro del Poblenou Urban District.
Carolina Rojas
Speaker/Colombia
Administradora de Negocios de la Universidad @eafit con experiencia en la gestión cultural y la creación de alianzas estratégicas para proyectos culturales y de entretenimiento. Fundadora de la ONG DC3 Cultura y Directora y creadora de @lamagdalenafest Directora de Alianzas Estratégicas y Feria en Circulart.
Drew Young
Speaker/EE.UU
Líder comercial estratégico y profesional en la industria de la música, con una experiencia en la definición y el logro de objetivos a través de estrategias innovadoras. Más de 25 años de experiencia como compositor, músico, productor, gerente de artistas, profesor de la industria musical, agente de reservas para grandes lugares al aire libre, consultor/coordinador musical y estratega musical global.
Iñaki Gaztelumendi
Speaker/España
Iñaki Gaztelumendi lleva más de 25 años trabajando en el sector turístico, desde el ámbito de la gestión de destinos turísticos, la planificación estratégica y el desarrollo de proyectos, tanto en el sector público como en el sector privado. Fue Director Gerente de Turismo de Santiago de Compostela. En la actualidad es consultor especializado en estrategia en el sector turístico, y fundador y director de la consultora turística Verne Tourism Experts S.L.
María Reyna
Speaker/México
Cantante soprano, nacida en Santa María Tlahuitoltepec, Oaxaca.
Junto a Joaquín Garzón Rivera, director orquestal, compositor y pianista, ha trabajado arduamente, en su primera producción discográfica: Orgullosa soy raíz, utilizando la técnica de ópera, realiza fusiones musicales con géneros como el Jazz, Bolero, entre otros, interpretando temas en cinco lenguas indígenas de México.
Alberto Guijarro
Speaker/España
Alberto es uno de los promotores históricos de la cultura club en España. Desde 2001, es uno de los responsables del Festival Primavera Sound, que se ha convertido en un referente para la música. Responsable de una de las salas de baile más longeva y exitosa de España: la Apolo. Presidente del Patronato, de la Fundación Primavera Sound, cuyo objetivo es: Fomentar la cohesión y la inclusión social, la interculturalidad y la igualdad. Apuntando al poder transformador de la música
Pepita García-Miró
Speaker/Perú
Gestora cultural, cantante y compositora peruana con más de 30 años en el sector. Dirige desde 2001 la productora y sello discográfico Cernícalo creada para promover y difundir propuestas musicales peruanas de diversos géneros.
Cernícalo lanzó dos colecciones de discos de música peruana contemporánea: Volando por la Músicas del Perú y Frutos de Perú con 24 CDs en total. Los lanzamientos Homenaje a la Pachamama y Encantos Andinos recibieron Disco de Oro. Durante los últimos 5 años Cernícalo levantó información sobre locales para presentaciones musicales en 8 ciudades del Perú. Posteriormente lanzó la App GIRAMOS con el propósito de unificar, potenciar y fortalecer al sector musical.
Pepita es parte de las Asociaciones Internacionales: ADIMI, MMF LATAM, CULTURAL CONECTIONS LATIN AMERICA (CCLA). Representa en Perú al Mercado Musical BIME.
José Feuereisen
Speaker/Chile
Sociólogo, Director Sociocultural de Fundación PLADES Frutillar, su experiencia ha estado principalmente vinculada al desarrollo sostenible comunitario, y territorial en las dimensiones de pobreza, cultura y educación. Hoy desde Fundación Plades lidera el proyecto Frutillar Ciudad Creativa que tiene como propósito consolidar un modelo de desarrollo sostenible a través de la cultura, las artes y las industrias creativas para ciudades pequeñas.
Kennya Comesaña
Speaker/Chile
Música y cantautora proveniente de Coyhaique (XI región de Aysén, Chile), residente en el puerto de Valparaíso desde el año 2007. Cuenta con amplia experiencia como intérprete de repertorio popular en diversos proyectos musicales, así como variadas colaboraciones en registros fonográficos de distintas/os músicas/os nacionales.
Además desarrolla talleres, clases y formaciones en voz cantada y música para distintos formatos, edades y contextos, destacándose su iniciativa principal “Círculo de Canto Femenino” (desde 2018).
Su propuesta como cantautora solista emerge desde temáticas sociales y de género, además de adherir la expresión de su arte a contextos sobre diversidad sexual, político y social.
María Cecilia Toledo
Speaker/Chile
Cantante lírica y gestora cultural porteña de reconocida trayectoria tanto nacional como internacional. Actualmente preside de la asociación de músicos académicos de la región de Valparaíso, AMAR.VAL y es directora ejecutiva de la fundación El Buen Puerto, en Valparaíso.
Su carrera como cantante y su labor social como gestora cultural la han hecho acreedora de diversos reconocimientos tanto en Chile como en el extranjero, en países como Nigeria, Perú, Jamaica y Alemania . Recientemente fue distinguida como una de las mujeres con mayor impacto a nivel regional por la fundación Mujer
Tania Navarrete fue invitada por el Gobierno de Francia a participar en el “Seminario para hispanohablantes en Francia: Las estructuras culturales al servicio del desarrollo territorial” que pertenece al “Programa corrientes del mundo” del Ministerio de Cultura de Francia y la Secretaría General de Asuntos Jurídicos e Internacionales realizado en Francia, del 06 al 12 de junio de 2022
Conozcan a los participantes seleccionados entre un gran número de personas a nivel latinoamericano.
Luciana BLASCO
Politóloga y gestora cultural. Fue diputada de la Ciudad de Buenos Aires. Entre el 2005 y el 2009; estuvo al frente del proyecto UNESCO-Buenos Aires Capital Mundial del Libro. Entre el 2010 y el 2012; fue Directora de políticas de juventud de la ciudad de Buenos Aires, organismo desde el cuál dirigió entre 2013 y 2015, la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. Desde diciembre de 2015 se desempeña en el rol de Subsecretaria de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, organismo bajo la órbita del cual se desarrollan los proyectos del Centro Cultural Recoleta, la plataforma de trabajo con adolescentes Clave 13/17, el Complejo Cultural 25 de Mayo, el Centro Cultural San Martín y la Dirección General de Enseñanza Artística. Es Licenciada en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales por la Universidad Nacional de Rosario; cursó la Maestría en Administración y Políticas Públicas en la Universidad de San Andrés; y el Posgrado en Gestión y Políticas Culturales en la Universidad de Barcelona. En el 2020 se integra al equipo de docentes de la Universidad Argentina de la Empresa, desempeñándo como titular de las cátedras Políticas Culturales y Legislación para la gestión cultural y artística de la Licenciatura en Gestión de Arte.
Un lugar donde las personas se encuentran. Descubrir, crear, investigar, pensar y sentir. Porque del encuentro de personas con ideas interesantes y sensibilidades distintas surgen cosas maravillosas.
Un radar de movimientos culturales y artísticos. Un escenario de las más diversas y disruptivas formas de expresar.
Una sala de ensayos de hacedores culturales con una visión desprejuiciada y multidisciplinaria y una gran puerta de acceso a las artes, las ciencias, la cultura abierta a toda la comunidad.
Una fábrica cultural. Un espacio donde investigar, crear y producir nuevos hechos culturales y artísticos.
Tania NAVARRETE
Investigadora, curadora y desarrolladora de proyectos culturales, actualmente es la directora ejecutiva del Centro de Producción e Innovación MZ14 de la Universidad de las Artes de Ecuador, curadora del Mercado Laboral de las Artes de Guayaquil, curadora del VII Encuentro de Arte Trabajo y Economía a realizarse en octubre de 2022, curadora de la Residencia Artística FABLAB (Arte, Ciencia y Tecnología), Curadora del Plan de Capacitación en Artes de MZ14, Curadora de la Feria de Arte de Guayaquil (2023). Tania tiene un Doctorado en Ciencias Administrativas, una Licenciatura en Administración Pública, un Diplomado en Gestión Cultural en FLACSO, un Posgrado Internacional en Políticas Culturales – en FLACSO Argentina. Fue Directora de Cultura en el Comité Permanente de la Fiesta de la Fruta y de las Flores (2002), Coordinadora de contenidos de la revista de música Dogma, Coordinadora de Contenidos de Quito en Zaragoza, Directora Provincial de Cultura de Tungurahua en el Ministerio de Cultura y Patrimonio de Ecuador en los años 2009 – 2010 y luego en los años 2015 – 2016, liderando un importante proceso de Jardinería Cultural en su provincia. Es la creadora y coordinadora general del colectivo de artistas ecuatoriano “Central Dogma” desde el 2003 a la actualidad. Es miembro fundador de ADIMI; Asociación para el desarrollo de la Industria de la Música Iberoamericana.
Productora cultural desde 1997, y actualmente Directora del Centro Cultural Cais do Sertão, también trabaja en la coordinación de proyectos culturales, trabajó en la producción de películas publicitarias nacionales e internacionales, en producciones cinematográficas y exposiciones. En 2004 crea Fanzine Ltda. ME, productora cultural con experiencia en la preparación, desarrollo y gestión de proyectos culturales, producción y montaje de exposiciones, documentación fotográfica y creación de banco de imágenes, edición de libros de arte, captura de video y cine digital. En 2013, trabajó en la instalación del Centro Cultural Cais do Sertão como productora ejecutiva en Recife, y desde 2014 trabaja en Cais do Sertão, desempeñándose como Supervisora de Programación entre 2014 y 2016, Coordinadora de Contenidos entre 2016 y 2019, y Actualmente en el cargo de Dirección. Es licenciada en Administración de Empresas por la Universidade Católica de Pernambuco UNICAP, con especialización en Historia del Nordeste por la UNICAP, en museología social por la Fundação Joaquim Nabuco-EIPP y en gestión cultural por la UFBA – Universidade Federeal da Bahia.
Cristina María Barrios Chávez, (29 de octubre de 1990) guatemalteca, originaria de la ciudad de La Antigua Guatemala, estudiante de la Facultad de Ciencias Jurídicas y Sociales de la Universidad de San Carlos de Guatemala, actualmente se desarrolla como Directora de Proyectos de la Asociación Cultural Antigua Viva; creando, gestionando, produciendo y dirigiendo más de 300 actividades culturales en su ciudad de origen en los últimos 6 años, miembro de las mesas municipales de trabajo de cultura, desarrollo turístico y del plan de ordenamiento territorial de La Antigua Guatemala.
Adriana Benetti Fortes es educadora en ecología, arte y reeducación del movimiento; investigadora en permacultura y, desde 2013, mamá de Daniel. Es estudiante de maestría del Programa Educación: Currículo (PUC – SP) con la pesquisa-acción-participante “Educación para Sustentabilidad y redes de transición en co-tejido: el caso Vila Mariana”; graduada en Artes Escénicas (ECA/USP), con especialización en Ecología, Arte y Sustentabilidad (UNESP/ UMAPAZ). En 2001 fundó la compañía teatral Confraria de las 3 Aguas, y con espectáculo autoral “La Curandera” (una yerbatera oye la tierra gemir) pasa a dedicar sus obras a la ecología profunda. Actualmente desarrolla la creación de “Abuela y las semillas del Agua”. Desde 2015 hace parte del núcleo socioeducativo de la programación del Sesc Vila Mariana, promoviendo acciones de transformación del territorio, como la implantación del Jardín de Lluvia, dentro del Proyecto Piloto de Arborización de Calzadas (PPAC) de la ciudad de São Paulo en Brasil.
Trabaja en el campo de las artes escénicas como creadora, intérprete y gestora. Es egresada de la carrera de Composición Coreográfica en Danza de la UNA, obtuvo un máster en Investigación en Danza en la Universidad de París VIII, Francia. Desde el 2008 integra el Grupo Krapp, reconocida compañía argentina de artes escénicas donde desarrolla proyectos de escala local e internacional. Ha trabajado con coreógrafos como Xavier Le Roy, Paula Rosolen, Edgardo Mercado, Roxana Grinstein, Ana Garat, entre otros. Actualmente es Directora Artística del Cine Teatro El Plata, recientemente incorporado al Complejo Teatral de Buenos Aires. Asimismo es Asesora de contenidos para Artes Escénicas en el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y fue Gerente de programación y curadora de Artes Escénicas del Centro Cultural San Martín, del 2016 al 2020. Da clases en la cátedra de ‘’Organización y Producción de espectáculos’’ y es profesora titular en la materia de posgrado ‘’La danza en los nuevos escenarios económicos y productivos’’ en la Universidad Nacional de las Artes, departamento de Artes del Movimiento y se ha desempeñado como jurado de proyectos de investigación para distintas universidades nacionales.
Educadora en arte con una maestría del School of the Art Institute de Chicago. Mamá. Artista visual con interes en pedagogía, artes relacionales y el trabajo de mujeres. Co-fundadora del colectivo de artistas «Gallina Malcriada». Gestora Cultural con interés en niñez y adolescencia. Actualmente directora de la Sala de Creación y Educación en las Artes con la niñez y adolescencia, Ría, de la Biblioteca de la Universidad de las Artes en la ciudad de Guayaquil, Ecuador ; un espacio público para acercamiento a diferentes manifestaciones en las artes.
Actriz, Directora, y Gestora Cultural. Es fundadora de Teatro del Azoro y La Cachada Teatro, así como de la Asociación Cultural Azoro ACA que en 10 años ha producido 11 obras originales de teatro sobre fenómenos sociales actuales. Sus obras se han presentado tanto en Latinoamérica, EEUU y España. Desde el año 2020 gestiona un antiguo cine en el centro histórico de San Salvador como un centro cultural. Todo este trabajo ha hecho mella en los medios de comunicación nacionales e internacionales: Wall Street Journal, BBC, El País, El Faro entre otros. Su metodología pedagógica está registrada en dos documentales: “Espejo Roto” de Marcela Zamora y “Cachada the Opportunity” de Marlén Viñayo, cuyo estreno fue en el Festival South by Southwest Film Festival de Houston Texas. Posteriormente la película ha obtenido numerosos premios y se ha presentado en diferentes festivales de cine en Latinoamérica, Europa, Japón y Nepal.
Hugo Navarro Zuñiga (42) Licenciado en Artes, Universidad ARCIS (Chile), Bachelor off Art Universität Bonn (Alemania), Diplomado en Producción y Dirección de Arte, Folkuniversitetet, Estocolmo (Suecia). Trabaja desde la gestión y ejecución en producciones vinculadas a las artes de la escena y audiovisuales; curador y programador de teatro, danza y circo en festivales, encuentros y espacios de exhibición. Productor y distribuidor de compañías chilenas, francesas y alemanas entre otras colaboraciones. Trabaja con entidades del ámbito público y privado, vinculadas a la producción artística. Fue coordinador de programación y jefe de producción de artes de la escena del Parque Cultural de Valparaíso (2016 – julio 2018 ). Actualmente trabaja como jefe de programación de artes escénicas de la Corporación Cultural Matucana 100, Santiago y como Asesor Programático y Artístico
José Luis Pérez Pont (Alicante, 1972) Actualmente dirige el Centre del Carme Cultura Contemporània de València (CCCC) y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (CMCV), desde 2016. Licenciado en Derecho y Doctor en Bellas Artes, ha ejercido como crítico de arte, comisario de exposiciones y abogado. Recibió un Premio Extraordinario por su tesis doctoral “La mediación social del arte en el espacio público. Ahora, después, nunca”. Presidió la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA) y el Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales de España. Ha convertido el CCCC en un espacio centrado en la experimentación de las artes visuales y la interrelación con otros ámbitos como educación, creación y pensamiento, definiendo una nueva fórmula de agitación cultural que ha transformado la relación de los públicos con la cultura contemporánea. A través del CMCV ha creado todo un modelo
Graduada en Pedagogía y Ciencias Sociales por la Universidad de São Paulo, se ha dedicado en su vida profesional a la educación no formal en diferentes modalidades, con gran interés por el arte, la educación y la sustentabilidad. Como educadora, trabajó en el proyecto social de arte-educación para jovenes ‘Fábricas de Cultura’ de la Secretaría de Cultura del Estado de São Paulo, y en la empresa MindLab como formación de maestros para la aplicación de una metodología de juegos de mesa educativos al ambiente escolar. También colaboró con la creación del proyecto ‘Pomares’ de arte, permacultura y alimentación saludable para comunidades escolares. Actualmente, trabaja como animadora cultural en el núcleo socioeducativo del Sesc Bom Retiro que contempla los programas ‘Espaço de Brincar’, ‘Curumim’, ‘Juventudes’ y ‘Trabalho Social com Idosos’. Además de ser voluntaria de ‘Palavra da Gente’, grupo de alfabetización popular del centro cultural ‘Casa do Povo’.
Lorena Tenuta es Maestranda en Diseño Comunicacional de la Universidad de Buenos Aires, siendo su carrera de grado Diseñadora de Imagen y Sonido otorgado por la misma casa de estudios. Su carrera profesional incluye la gestión cultural en distintas instituciones, guionista de series de televisión, producción de un largometraje documental y consultoría en comunicación sustentable. Desde 2016 trabaja en Fundación Medifé como jefa de programas, teniendo a su cargo la planificación, programación y producción de proyectos culturales de forma colaborativa con instituciones culturales de relevancia nacional e internacional, así como la gestión integral de las estrategias de comunicación. También es líder de proyectos de responsabilidad social y relaciones con la comunidad para empresas asociadas a Fundación Medifé.
Arquitecta, M.A. en Restauración de Monumentos Arquitectónicos de la Universidad Javeriana de Bogotá, M.A. en Gestión de la Cultura de la Universidad EAN de Bogotá y M.A. en Mercados del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad de Nebrija de Madrid.
Ha ocupado cargos en el sector privado y público de la Cultura, su trabajo se ha orientado a la gestión cultural y de manera reciente a la investigación. Es también docente de Gestión Cultural y Economía Naranja en la Universidad Externado de Colombia.
-Actualmente lidera el programa de Gestión Cultural & Economía Naranja de la Escuela Superior de Administración Pública- ESAP, creado en 2020 con el fin de hacer frente a las necesidades de las administraciones públicas territoriales.
Fundador y presidente de la Cooperativa de Arte CEIBO R.L. VI premio de DD HH Franco- Alemán, V premio Doctv Latinoamérica.
Director de danza, teatro, cine y máster en guión audiovisual, con más de 40 años de experiencia. Sociólogo profesión que le permite ligar sus conocimientos en el campo social con la cultura y los derechos humanos, especialmente con niñas, niños, adolescentes y jóvenes. Cree en la importancia de introducir el arte en los procesos de desarrollo social, considerando la cultura como un componente primordial del desarrollo humano. Creador de la novedosa metodología Circomunitario, proveniente de la fusión de las palabras circo y comunidad. En una carpa de circo desarrolla las disciplinas artísticas del teatro, la música, la danza, la pintura y los audiovisuales, aflorando el arte en la niñez, adolescencia y mezclando temas relacionados a los derechos humanos, género y nueva masculinidad. Ha tenido presencia en más de 50 localidades de Nicaragua, ha beneficiado a más de 7,500 niños, niñas y adolescentes, ha conformado más de 120 grupos artísticos y organizaron más de 55 Festivales Culturales en coordinación con organizaciones de sociedad civil, instituciones públicas y agencias de cooperación.
Hola Queridos amigxs músicos y fans del Festivalfff
Al fin llegamos a la recta final de este proceso #Festivalfff2021, este sábado 11 y domingo 12 de septiembre a partir de las 2pm (Hora Ecuador) viviremos nuestro segundo Festivalfff virtual.
En todos estos años, desde que decidimos hacer el Festivalfff y toda esta etapa de pre-producción, hemos vivido un sin número de emociones… hemos trabajado intensamente, hemos hecho muchas alianzas y el equipo de comunicación se ha desbordado consiguiendo entrevistas y haciendo que la música independiente suene en todas partes. Ahora se acerca la presentación oficial del Festivalfff 2021 y estamos muy contentxs y agradecidxs con todo el apoyo que hemos encontrado en el camino!
A ustedes, como músicxs y fans queremos agradecerles infinitamente, por todo su apoyo y confianza durante todos estos emocionantes años de venturas! GRACIAS por su creatividad y por no dejarse vencer en esta adversidad que nos ha tocado vivir, desde las oficinas de la Central Dogma, les enviamos un GRAN ABRAZO, esperando que disfruten de esta edición virtual que se conecten, que participen! Llamen a sus amigxs y familia para apoyar a todas las bandas, chateen, bailen pogo virtual y diviertasen, estos son los links para ver el Festivalfff
Festivalfff – sábado 11 de septiembre, hora de inicio 14:00
Lugar de transmisión:
Festival FFF Domingo 12 de septiembre, hora de inicio 14:00
Lugar de transmisión:
por favor compartamos con todos sus amigxs, fans, con su familia.
Esta Asamblea virtual está convocada por el el Festivalfff, con el apoyo del Colectivo Central Dogma, MZ14 la UArtes, la Fundación Teatro Nacional Sucre, el IFCI, el MCYP y posibilitando el networking o acceso a nuevos mercados y futuros negocios en plataformas virtuales. La intención es reforzar las redes de colaboración entre agentes del ecosistema musical en Ecuador y pensar juntxs ¿Cómo fortalecer los ecosistemas musicales en contextos de crisis?
INVITADXS: Artistas, autores, Compositorxs, Backlines, Bookers, Discográficas, Distribuidoras, DJs, Editorxs, Estudios de Grabación, Empresas de Merchán, Fabricantes de Discos, Fabricantes de Instrumentos, Luthiers, Fotografxs, Camarógrafxs, Ingenierxs de Sonido, Locales de Ensayos, Teatros, Locutores, Managers, Medios de Comunicación, Músicxs, Periodistas, Producción, Productorxs, Promocionerxs, Promotorxs, Road Managers, Runnes, Salas de Conciertos, Técnicos de Luces, Técnicos de Sonido, Técnicos de Video, Ticketeras, Tiendas de Discos físicos y virtuales, Tiendas de Instrumentos, Tour Managers, Festivales, Conciertos, Ferias, Mercados, Encuentros, Escuelas de Música, Conservatorios, Instituciones, Colectivos, Maestrxs y Estudiantes.
Todas, todos, todes, todxs, están cordialmente invitados a la gran Asamblea de la Música a realizarse el 10 de septiembre de 2021 a partir de las 18H00.
El objetivo ético de la vida artística es la utopía, por lo tanto la pregunta es ¿Cómo fortalecer el ecosistema musical ecuatoriano post Covid19?, por favor escribe tu mensaje y tu nombre (en 280 caracteres) puedes hablar de las necesidades del sector y las posibles soluciones para iniciar el camino de la reactivación. Estos mensajes se socializarán en RRSS, en la reunión presencial y se enviarán a los medios de comunicación como un Manifiesto Colectivo del Sector Musical.
“El rock, más que cualquier otro género, ha sido el elemento de transformación y renovación de la escena musical ecuatoriana”
– Mesias Maiguashca
El Festivalfff es una plataforma de música autónoma, un difusor de influencias, tendencias de vanguardia experimentales y contemporáneas, que nació en la ciudad de Ambato y luego se diseminó como esporas a todo el país, convirtiéndose en un festival de Ecuador, que internacionaliza su música al mundo.
Gracias al apoyo del Instituto de Fomento a la Creatividad e Innovación (IFCI), el Ministerio de Cultura y Patrimonio (MCYP), La Asociación para el Desarrollo de la Música Iberoamericana (ADIMI), SACIN, REFMI, UARTES, el Centro de Innovación MZ14, INTERACTOS, Fundación Teatro Nacional Sucre, la Embajada de Chile en Ecuador, IMESUR, La Embajada de Brasil en Ecuador, RECBEAT, Colectivo Central Dogma y por supuesto del ecosistema vivo y fértil que incluye a lxs músicxs, periodistas, revistas y blogs especializados, radios online, plataformas, catálogos, redes P2P, canales de YouTube, grupos en redes sociales, y muchas otras instancias a través de las cuales la música se difunde, se valora y se disfruta.
Las fechas en las que se presentará el Festivalfff son del 09 al 12 de septiembre de 2021, este año el Festivalfff hace un homenaje a todxs los músicos que han pasado por las tablas del festival y dedica este “viaje musical” a quienes ya no nos acompañan; en memoria de Pablo Rodriguez, Claudio Durán, Diego Brito, Fausto Gortaire Marmota, Tadashi Maeda y todos los artistas que se adelantaron en El Camino. La organización quiere agradecer también a todas las bandas y proyectos que han participado en el festival en estos 17 años de batalla cuesta arriba, donde el Festivalfff pasó de ser un festival de provincia con un slogan que declaraba ser “motor de la escena musical ecuatoriana”, a ser el “motor de cambio” que coincide en un momento histórico de post coronavirus que ha cambiado irreparablemente nuestros estilos de vida, realidades sociales y equilibrios geopolíticos.
Hoy, el Festival se presenta como un canal de aprendizaje colectivo, porque toda vida es un potencial para la creación, para la invención y la reinvención y toda vida es capaz de imponer un nuevo orden, una nueva perspectiva, una nueva forma de existir y de disfrutar. Como dice Luis Camnitzer necesitamos entender lo que el virus está enseñando, y qué es lo que quiere cambiar, quizás sea una adaptación a la era digital, con el uso de las nuevas tecnologías de comunicación, de sentir y escuchar la música.
En cuanto a la propuesta curatorial del Festivalfff, que fue decidida en conjunto con los jurados Grecia Albán, Juan Pablo Viteri y Fabiola Pazmiño, luego de una escucha atenta y meditativa, este año el Festivalfff incluirá una diversidad de bandas y propuestas, en tres ciudades; Quito, Guayaquil y Cuenca, con bandas y proyectos que compartirán su mundo musical sonoro que incluye los estilos tropical post digital, Metal, Hip Hop, propuestas sonoras mixtas de electroacústico+acustico, Dreampop, Indie folk / Alternativa, Audaz Urbano, Fusión de música ecuatoriana y músicas del mundo, Rock alternativo, Jazz instrumental, Música afro marimba, Electropunk, Rock Ecuatoriano y como invitados especiales estarán Getulio Abelha y Spock Frevo Orchestra de Brasil, y I.O. y Frank’s White Canvas de Chile, además de los shows el Festivalfff realizará un foro internacional, talleres, charlas y conferencias.
Todas estas propuestas musicales intentan desafiar las expectativas del público, contribuyendo a la formación de gustos, entendiendo que la música es una herramienta que nos ayuda a concentrarnos, conocernos, conectarnos y comunicarnos, que nos ayuda a ampliar nuestras conexiones cerebrales, nuevas experiencias y situaciones y que nos ayuda también a articular lo desconocido, lo que vendrá e intentar juntxs contestar a las preguntas: ¿Cómo fortalecer nuestros ecosistemas musicales en contextos de crisis? ¿Cómo la escena musical puede ser más resiliente? ¿Cómo lograr una re sensibilización y apreciación del arte en tiempos de crisis? ¿Cómo podemos utilizar a la música como un correctivo de la mala memoria, para no olvidar esta etapa que nos ha dejado tantos aprendizajes? ¿Cómo la música se convirtió en un proveedor de esperanza? ¿Cómo podemos utilizar todo este difícil proceso de crisis como un motivador para el auto crecimiento? ¿Cómo la música y las artes de manera general pueden llegar a ser agentes de equilibrio, que ayuden a la sociedad a encontrar la armonía del individuo consigo mismo con la comunidad y con otros seres?
Nos vemos en la gran red, abrazos y que disfruten el Festivalfff 2021
La realización del Foro de Música Iberoamericana “Conexiones/Relaciones sonoras en Iberoamérica”, un espacio de dos días que permitirá descubrir y debatir sobre las libertades creativas que deben ser el centro de las políticas de desarrollo humano, fomentando iniciativas y formas para transformar el sector de la música hacia un sector más sostenible desde el punto de vista económico y social, en este foro se realizarán tres conferencias magistrales, los días 9 y 10 de Septiembre de 2021.
Se realizará la V Asamblea Nacional de Músicos Independientes y Compositores Ecuatorianos del Festivalfff con la participación de productores nacionales e internacionales, managers y músicos, posibilitando el acceso a nuevos mercados y futuros negocios en plataformas virtuales, el 10 de septiembre de 2021.
Producción del Festivalfff 2021 con dos días de streamings musicales gratuitos, en Youtube y Facebook, activados para la disminución de la brecha digital de la difusión de la música independiente, en formato de festival virtual, los días 11 y 12 de septiembre de 2021.
ACTIVIDADES ACADÉMICAS FESTIVALFFF 2021
“El motor de cambio tiene que entender que la creatividad está para crear nuevas conexiones, y a lo mejor también nuevas cosas y situaciones que nos ayuden a articular lo desconocido”.
Luis Camnitzer
“FORO CONEXIONES/RELACIONES SONORAS EN IBEROAMÉRICA”
A realizarse el 09 y 10 de septiembre de 2021
En el marco del XVII Festival de Música de Vanguardia, en alianza con MZ14 y la UArtes se realizará el Foro de Música Iberoamericana “Conexiones/relaciones sonoras en Iberoamérica”, un espacio virtual de dos días, que busca reforzar las redes de colaboración entre agentes del ecosistema musical en Iberoamérica, ofreciendo charlas y conferencias virtuales para conocernos, conectarnos, ampliar nuestras perspectivas, y así visibilizar un mejor entorno musical en la era post Covid19, que nos permita descubrir y debatir sobre las libertades creativas que deben ser el centro de las Políticas Culturales, que nos ayuden al desarrollo humano, fomentando nuevas iniciativas y formas para transformar el Sector de la Música, hacia las exigencias del nuevo milenio.
Conversaremos con las invitadas sobre sus prácticas artísticas, de gestión y sobrevivencia en estos tiempos tan difíciles, ellas nos darán sus tips pero además las invitadas, intentarán responder algunos de los cuestionamientos que el crítico de arte, comisario, pedagogo, conferenciante, creador de objetos, acciones y composiciones musicales; Luis Camnitzer nos hizo en su texto “El profesor Covid”; ¿Qué necesitamos entender sobre lo que el virus está enseñando, y qué es lo que quiere cambiar? ¿Si, podemos seguir pensando en la geografía en los mismos términos de circulación y distribución de contenidos musicales? ¿Qué pasaría si las fronteras geo-económicas no existieran? ¿Si, es la educación en las artes musicales un camino a seguir, en pos de un nuevo entendimiento del entretenimiento? ¿Qué es lo que va a mantener vivo a tu cerebro si ya no quedarán estímulos? ¿Cuál es el sentido de ser el motor del cambio?
TALLER VIRTUAL DE PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Y EJECUTIVA DE AUDIO
Fecha: jueves 09 y viernes 10 de septiembre de 2021
IVIS FLIES ( ECUADOR)
Gestor cultural, compositor, bajista, productor y músico de estudio por más de 22 años. Ha trabajado con algunos de los músicos o bandas más importantes de la escena ecuatoriana. Jurado del Mercado de Música CIRCULART. Director y creador del proyecto de rescate de patrimonio musical y social De Taitas y de Mamas con nominación al Grammy Latino.
ASAMBLEA VIRTUAL DEL ECOSISTEMA MUSICAL
Fecha: 10 de septiembre de 2021
Con la participación de productores nacionales e internacionales, managers y músicos, posibilitando el acceso a nuevos mercados y futuros negocios en plataformas virtuales. La intención es reforzar las redes de colaboración entre agentes del ecosistema musical en Ecuador.
CARTEL FESTIVALFFF 2021
Ente, Lolabúm, Ataw Allpa, Mugre sur, Jorge Oviedo Jaramillo, Sexores, Sr. Maniquí, Taller La Bola, Wañukta Tonic, Cometa Sucre, Juan Posso Jazz Trío, La Máquina Camaleón, Demonio Kuaternario, Método MC, Getúlio Abelha – BRASIL, Spok Frevo Orquesta – BRASIL, Frank’s White Canvas – CHILE, O.I. – CHILE
La Máquina Camaleón
Rock pop alternativo
La Máquina Camaleón se formó en Quito y es sin duda, uno de los grupos de rock/pop más representativos del Ecuador. Han logrado catapultar un reconocimiento impresionante a nivel nacional e internacional.
Sus letras y música cargadas de paisajes surreales, han logrado establecer una base de fans cada vez más grande y entregada, gracias al carisma que transmite su frontman, Felipe Lizarzaburu Egüéz, un personaje considerado icónico en la escena musical ecuatoriana.
En el 2014 sale “Roja” el primer álbum de una trilogía, seguida por “Amarilla” en el 2015 y cerrando con broche de oro con “Azulae” en el 2020, este último álbum habla de un futuro post apocalíptico en el que se desarrolla una historia de amor. Con esta gran obra dividida en una triada se puede evidenciar una reinvención creativa constante junto a una propuesta musical innovadora y auténtica.
A través de presentaciones energéticas y una puesta en escena sólida, la banda ha sido invitada en importantes tarimas a nivel latinoamericano como: “el Hermoso Ruido” en Colombia (2015) “Fiesta de la Música en Cuenca” (2015), “El Carpazo” en Quito (2016), “Lollapalooza Argentina” (2016), “Estéreo Picnic” Colombia (2018), entre otros.
Lolabúm nace a mediados del 2014 en Quito, Ecuador. A lo largo del 2015, cultivaron una base de fans activa y fiel, después de varios conciertos en diferentes ciudades del país en los que se agotaron las entradas. En 2016 la banda publica ‘El Cielo’, su álbum debut. En esta primera producción la banda exploró un sonido garage, despreocupado y rockero. En julio del 2018, la banda publica su segundo álbum titulado ‘Tristes Trópicos’. En esta nueva etapa se trabajaron letras de mayor profundidad y sonoridades diversas, con influencias de la música latinoamericana, el hip-hop, entre otros géneros.
En el 2020 liberó sus álbumes ‘Verte Antes de Fin de Año’ y ‘ O Clarividencia’, con pocos meses de diferencia, desde el confinamiento. Con ellos, sorprendieron al público con su nuevo sonido ecléctico y modernizado. Actualmente su música está compuesta por una nueva mixtura de géneros y temáticas líricas más profundas.
Ataw Allpa hace música tropical post digital. Sus canciones usan melodías que rememoran temas de música campesina Latino Americana. Bases potentes heredadas del Global Bass, vocales oscuros cantados sobre armonías de síntesis y un acordeón diatónico ejecutado en vivo. Su Live Act altamente bailable oscila entre el Downtempo Andino y la Cumbia Digital, con un leve toque urbano. El espectáculo está acompañado de visuales secuenciados en vivo por Mo Fractal. Además de varios instrumentos ejecutados por Ataw Allpa y Ju-Pa. Este show de 45 minutos de duración ha girado por Ecuador, Colombia, Brasil, Argentina y EEUU. Ataw Allpa ha compartido escenario con artistas aclamados internacionalmente como Mad Professor, Cero39, Frente Cumbiero, Kevin Johansen, Skip&Die, Nicolá Cruz, Mateo Kingman, Miss Bolivia, Catriel & Paco Amoroso, MC Carol, Frente Cumbiero, entre otros.
Discografía: Sonora Post Digital (2018). Cyberfolk (2017)
ENTE es la banda pionera en el Death Metal en Ecuador y una de las pocas bandas con 30 años de trayectoria ininterrumpida en sudamérica y el mundo. La banda ha participado en varios compilados de música extrema y realizado innumerables giras en Ecuador y varias en América y Europa. Han sido destacados por sus poderosas puestas en escena por la prensa especializada y tienen seguidores en varios países del mundo.
Discografía:
Mortaja Social (Demo Obertura) 1994, Ecuador Subterráneo (CD Compilatorio) 1997, Morada de Dioses (EP) 2002, ENTE (CD) 2003, Pseudo Cadaver Beings (EP) 2004, Más allá de las sombras (EP) 2011, Trastornado instrumento desangre (CD) 2012, Brutal Compilación (CD) 2017, Nacido muerto (CD) 2019, Nacido muerto en vivo (Album streaming) 2021
Es un referente innegable del sentir ecuatoriano en tiempos modernos, esta banda capitaneada por el músico y compositor Alex Alvear, los va a sacudir y no tendrán otra alternativa que entregarse a la sorpresa y al deleite. Wañukta, en kichwa, es un golpe intenso que te manda para otro lado, nosotrxs lo matizamos con tónica, para que resbale. La banda integra dos generaciones de músicos que representan mucho de la efervescencia artística de la escena ecuatoriana contemporánea. Basa su estética en la idea de un encuentro sonoro entre tradición andina y vanguardia universal. Wañukta Tonic es un crucero por los sabores, colores y sonidos de un país que se define en su eclecticismo y diversidad. La banda ha producido y lanzado 2 producciones: «Wañukta Tonic» en el 2018 y «DOS» en 2021.
Mugre Sur nació en el año 2000 como un colectivo social y cultural de raíces ecuatorianas. A lo largo de su trayectoria han grabado 5 demos y 3 discos de estudio, destacando su música en escenarios nacionales e internacionales, llevando su propuesta cultural a proyectos audiovisuales, grandes festivales, y siendo pioneros del género, posicionándose en radio nacional.
Desde sus inicios complementa su lírica con muestras escénicas transformadoras. Su performance pretende alcanzar un entendimiento amplio de la educación integral de la juventud y sus familias, a través de expresiones culturales del hip hop, generando una reflexión sobre los estereotipos de género, sexismos, clasismos, y adulto centrismos, creando diferentes personajes a lo largo de su trayectoria. Utiliza al Rap como herramienta de transformación social; rescatando la lengua ancestral Quechua, incluyendo lenguaje de señas, manifestando críticas sociopolíticas y experiencias personales en un lenguaje cotidiano.
Su música presenta una vertiente experimental e innovadora, revolucionando y apropiándose del Hip Hop de forma muy ecuatoriana y andina. Convirtiéndolos en un referente cultural utilizando ritmos reciclados de Pasillos, San Juanes y Yaravís. Mugre Sur participó en la coproducción del documental “18 de marzo contra el imperialismo y la guerra”. Han gestionado la creación y colaboración del primer programa de radio de Hip Hop en Ecuador desde la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Siendo parte de diversos festivales de carácter social y relacionados con el ámbito cultural del país como: Quitu Raymi 2006, Quito Fest 2009, Velada Libertaria 2014, Alfaro Hip Hop 2016, Funka Fest 2018.
En 2015 presentaron su espectáculo en una gira Internacional que abarcó países como Colombia y Bolivia.
discografía: La cosecha – 2004 (ep), Mugre conspirando – 2005 (lp), Mugre surfin – 2006 (ep), Puliendo los diamantes – 2007 (lp), Recopilado -2008 (lp), Ponte 11 – 2009 (lp), De uña y mugre – 2015 (lp) y mugresureate – 2019 (lp)
Jorge Oviedo Jaramillo es compositor y director de orquesta ecuatoriano. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Se ha especializado en Análisis, Composición y Dirección Orquestal con destacados profesores y en diferentes instituciones dentro y fuera del país. Licenciado en Artes Musicales por la Universidad de Artes del Ecuador, Validación de trayectorias.
Ha sido docente del Conservatorio Nacional de Música y de la Universidad de Cuenca. Sus obras, ejecutadas en el país y en el exterior, han sido merecedoras de menciones y premios, como reconocimiento al aporte creativo.
Responsable y ejecutor de importantes puestas en escena y montajes, entre los que se destacan estrenos locales y absolutos de creadores ecuatorianos y extranjeros, dentro y fuera del país. Como director, ha llevado a cabo grabaciones de obras de los más importantes compositores académicos ecuatorianos.
En escenario, ha compartido y acompañando a destacados solistas como Paulo Gori, Ney Rosauro, Pierre Yves Artaud, Tadashi Maeda, Andrés Torres, Tibaulth Cauvin, José Luis Urquieta, Luciano Carrera, Wolfgang David, entre otros.
Actualmente mantiene una agenda como compositor, director y docente independiente.
Desde su concepción en 2010, Sexores se ha convertido en una de las formaciones más estables del circuito latinoamericano. Bordeando el dreampop y la experimentación, construyen un sofisticado sonido basado en la programación, el uso de sintetizadores análogos y las paredes de guitarras que son explotadas a lo largo de sus 5 trabajos de estudio y de su incansable recorrido por festivales y salas de conciertos de todo el mundo.
Entre 2010 y 2011 lanzan en Ecuador ‘Amok & Burnout’, su primer álbum. En 2013 se mudan a Barcelona para lanzar ‘Historias de Frío’, su segundo álbum editado de forma independiente con gran repercusión en la prensa especializada de Europa y Latinoamérica. En 2014 giran por Rusia, Alemania, Austria, Francia, España y Estados Unidos. Entre 2015 y 2017 recorren los festivales más importantes de Ecuador y Perú presentando ‘Red Rooms’, un EP lanzado a través del sello italiano Coypu Records. En 2018, con el lanzamiento de ‘East / West’, un álbum doble lanzado en colaboración con Buh Records y RECOOP, inician una gira por Chile, Perú, Bolivia y Colombia. En 2019 se mudan a México para lanzar ‘Salamanca’, su cuarto álbum, y llegan a tocar en NRMAL y KEXP. En 2020 celebran 10 años de formación y presentan ‘X’, un compilado de reversiones de su música hecho por varios artistas de Iberoamérica.
SR. MANIQUÍ es el nombre del proyecto solista de Mariela Espinosa de los Monteros (Quito – Ecuador), proyecto que nació del deseo de crear desde una perspectiva propia, acompañada e inspirada por otras mujeres, y con las ganas de experimentar libremente con varios estilos de música, como un maniquí que puede revestir distintos trajes y encarnar diversos personajes cada vez.
En su música, la voz es el elemento principal que guía el viaje por los distintos escenarios que describen las letras de sus canciones, que se pasean por atmósferas cercanas al indie folk, dream pop y rock experimental.
Su segundo y último trabajo discográfico es “Ábrete Sésamo”, un álbum compuesto por 8 canciones creadas a partir de poemas escritos por mujeres y disidencias ecuatorianxs de diversas épocas.
Actualmente está desarrollando un film-concierto sobre mujeres y ritualidad llamado «Fragmentos Sagrados» en colaboración con el colectivo-ensamble de cuerdas InConcerto, que se estrenará en el presente año.
DISCOGRAFÍA: Otras Formas EP (2018), Ábrete Sésamo (2020)
Taller La Bola, por más de veinte y cinco años, realiza un trabajo de estudio y divulgación sobre la sonoridad precolombina ecuatoriana, mediante conciertos y talleres pedagógicos donde se ejecutan instrumentos arqueológicos originales, provenientes de la colección privada compilada por el músico y restaurador de bienes museables: Luis Oquendo R. (+), fundador del proyecto. Con el objetivo de aportar a la cultura viva y educación en Ecuador, Latinoamérica y el mundo.
La banda ha desarrollado espectáculos musicales internacionales y nacionales, en los cuales se puede evidenciar de manera práctica la investigación mencionada. Esto se logra a través de la ejecución de instrumentos prehispánicos junto a otros étnicos y contemporáneos; combinados con ritmos tradicionales y modernos, dando lugar al género autodenominado, “Audaz Urbano”. Esta experiencia musical demuestra los alcances y posibilidades de las sonoridades ancestrales, vigentes hasta la actualidad; que verifican el alcance científico y tecnológico de las culturas precolombinas.
La trayectoria profesional de la agrupación, ha permitido presentar espectáculos en escenarios de alto prestigio como festivales, ferias culturales, teatros y otros, además ha facilitado vinculaciones artísticas con músicos y entidades influyentes del país; manteniendo la perspectiva de invitar a la audiencia, hacia una experiencia única sobre la sonoridad milenaria, que en otras condiciones estaría limitada a una sala de museo.
Discografía: Chuta Quito de Noche (2004), El Hilo Conductor (2010), Champús Sonoro con Yapa (2015), Involución (2017), Resonando en el Tiempo ft. David West (2018)
Cometa Sucre es una banda de rock alternativo de Guayaquil, iniciativa de “Perico” Argüello (voz, bajo) en 2016, junto a Rodolfo Burbano (sintetizadores, guitarras), Marco Armijos (batería), Alex Illingworth (guitarras, coros) y Wilson Murillo (guitarras).
Tiene un sonido potente y fresco que embarca a sus oyentes en un viaje sideral gracias a su sensibilidad melódica. Su propuesta oscila entre temas dominados por poderosas líneas rockeras y baladas ensoñadas. Las letras son crónicas de vida llenas de metáforas que evocan reflexiones y nos recuerdan que las etapas de la vida son necesarias para el crecimiento personal.
Su EP debut “Pastillas de Valor” (2016) tuvo gran acogida en distintos medios, llegando a los primeros lugares de rankings y generando una importante base de fans. Han compartido giras con bandas de la nueva escena del rock latinoamericano como El Mató a un Policía Motorizado, Da Pawn o Superlitio. Fueron elegidos para la apertura de la consagrada banda Zoé en el Coliseo Voltaire de Guayaquil y para la inauguración de la Plaza Guayarte (Guayaquil).
El lanzamiento de su LP “En Transmisión Perpetua” (2019) ha marcado la consolidación de la banda. Su estreno tuvo lugar en El Festivalito, evento insignia de la música independiente, con una puesta en escena muy potente en lo visual y sonoro.
Han estrenado dos sesiones en vivo y dos videos oficiales y han sido destacados en playlists oficiales como “Lo mejor del Indie/alternativo 2020” de Spotify.
Actualmente, se encuentran grabando nueva música, a estrenarse este 2021.
Nació en Quito, Ecuador. Es un artista activo que utiliza platillos BOSPHORUS y baquetas VATER PERCUSSION. Su música es una mezcla de influencias como el jazz, el metal y la música latina, basada en la improvisación. Comenzó a tocar metal y hard core empíricamente, presentándose en festivales como Rock al Parque en Colombia o Makinaria fest en Brasil. Más tarde, mientras cursaba sus estudios en música clásica, ganó el primer premio en el concurso «Mejor solista» del año 2007 en el conservatorio Mozarte en Quito, después de eso, estudió una licenciatura de interpretación en jazz en la USFQ (BIN). Siendo un estudiante de jazz, participó y ganó por dos ocasiones consecutivas el concurso JAZZ ENVOYS organizado por la Embajada de los Estados Unidos en Quito con la UNIVERSIDAD SAN FRANCISCO asistiendo a seminarios en la UNIVERSIDAD DE LOUISVILLE y tocando en lugares como el KENNEDY CENTER en Washington DC. Paralelamente durante este tiempo toqué música clásica en la BANDA SINFÓNICA METROPOLITANA DE QUITO y salsa en la Orquesta LA MALAMAÑA donde fue intérprete. Más tarde obtuvo un Magna Cum Laude en el Máster en Interpretación Contemporánea en BERKLEE COLLEGE OF MUSIC – Campus Valencia donde formó parte de los proyectos de VÍCTOR MENDOZA y PERICO SAMBEAT, Actualmente es profesor en la UNIVERSIDAD DE LAS ARTES DEL ECUADOR donde imparte clases de instrumento, ensambles y arreglos. Realizó su primer EP como solista llamado RESILIENCIA (2019) y actualmente está difundiendo el disco CICLOS (2021).
Demonio Kuaternario, tiene como concepto la utilización de audio de la cotidianidad popular de la urbe, resaltando temáticas como violencia, discriminación, abuso de poder, prepotencia, injusticia, dominio.
Expresa con la música electropunk la energía, descontento, inconformismo, irreverencia, desobediencia y reaprendizaje, de las normas sociales establecidas, de la imposición de dogmas, del cumplimiento de órdenes, de las jerarquías y la invasión de la voluntad.
DEMONIO KUATERNARIO es un proyecto electro punk visual performático, a la vanguardia de la música electrónica, de la producción visual, experimentación sonora sensorial, agrupación con trayectoria de 2 años. siendo la pandemia uno de los motivos por lo que sus intervenciones sonoras son vía internet en su mayoría.
MÉTODO MC
Rap fusión
Método es un rapero y productor musical nacido en Cuenca, incursiona en la música formalmente desde el año 2014 a la par con sus estudios en la ciudad de Quito, ha formado parte de varios proyectos y hasta la fecha tiene 4 álbumes publicados. Sus composiciones exploran distintos géneros musicales teniendo como eje al Rap, a colaborado con artistas Nacionales e Internacionales tales como Pdrito Criollo (Gogol Bordello) Jiken (Francia) TonyWilson (New Orleans), Daniel Sorzano (Bogotá), Mav Nuhels (Medellín) Álvaro Bermeo (Guardarraya), Felipe Lizarzaburu (Máquina Camaleón), Pedro Bonfim (Lolabúm) entre otros. Su show en vivo transmite toda la energía y fuerza de sus canciones al contar con grandes músicos de la escena nacional para su banda entre los que tenemos a Jim Fabre, Mateo del Pozo y Mateo Castillo, Una fusión entre banda, computadoras y Rap es lo que el artista propone. Método a participado de varios festivales a nivel Nacional entre los que destacan: Loa Loa Fest (Latacunga) Funka Fest (Guayaquil) La ideal (Quito) Fiesta de la Música (Cuenca) Upano fest (Macas) Selina (Quito-Cuenca-Tena) y más…
Cantriz, compositora, presentadora Getúlio Abelha nació en Teresina-PI, pero radica en Fortaleza desde 2012, el artista ha desarrollado varios trabajos en cine, teatro y performances tanto en Ceará como en otros estados. Es autor de las canciones “Laricado”, “Tamanco de Fogo”, “Aquenda”, entre otras. Creó el proyecto musical “Corta Fogo”, en el que produce música, videoclips, conciertos y propone un nuevo rostro para la cultura nororiental. El cantante que comenzó a tener éxito en la escena alternativa en Fortaleza, salió de los bares, rompiendo los límites de la escena musical local y presentando sus espectáculos musicales por todo Brasil, mostrando su eclecticismo y talento.
Formada por 18 jóvenes músicos de Pernambuco, la orquesta surgió en Recife, en enero de 2001, dando al frevo un tratamiento diferente, con arreglos y armonías modernas que buscan la libertad de expresión en la improvisación, con una clara influencia jazzística. El líder de la Orquesta Spok Frevo es el músico y compositor Spok – Inaldo Cavalcante de Albuquerque – nacido en la pequeña ciudad de Abreu Lima en Pernambuco y trasladado a Recife a la edad de 16 años, es designado por especialistas como el nuevo embajador de frevo. Ya ha tocado con todos los maestros del frevo en vivo, según declaró en un comunicado, entre ellos: Maestro Duda, Ademir Araújo, Zé Menezes, Paulo Lira, Maestro Nunes y Geraldo Santos. Según su testimonio, cuando llegó a Recife, con 16 años, escuchó un ruido proveniente de un automóvil que llamó su atención. Era el saxo de Felinho, improvisado sobre los clásicos «Vassourinhas». Ya acompañando a Antônio Nóbrega, en un festival de jazz, años después, recordó a Felinho y su improvisación. Se le ocurrió la idea de formar una orquesta en la que las partituras fueran un accesorio más para los músicos. El repertorio de la orquesta está compuesto por frevos callejeros, puramente instrumentales, y frevos-canções, nuevos y consolidados. Desde sus inicios, el grupo ha conquistado la admiración del público, llenando el cronograma de presentaciones y llevando frevo a varias presentaciones en Brasil y en el exterior. En agosto de 2003 tocaron con éxito en el festival Les Rendez-vous de L’Erdre, en Nantes (Francia), en el V Mercado Cultural de Salvador (BA), cuando fueron comparados con la Luckman Jazz Orchestra de Los Ángeles, por el escritor y el saxofonista Luís Fernando Verissimo. En 2004, participaron en el Festival de Jazz de Cascavel (PR), en el Festival Um Sopro de Brasil (SESC Pinheiros), en clubes de jazz de São Paulo y Río de Janeiro, siempre con una audiencia considerable y animada. A finales de 2004, tras siete años de gira, sacaron el CD «Passo de Anjo», que fue considerado un clásico del género por la crítica especializada, por traer reinterpretaciones de viejos éxitos y nuevas composiciones como «Ela me dise «, de Luciano Oliveira,» Passo de Anjo «, de Spok y João Lyra, entre otros. En el repertorio clásico del CD está «Nino, o Pernambuquinho» del Maestro Duda. La canción ganó un clip que se mostró en el programa Fantástico de TV Globo el domingo de Carnaval de 2005.
Karin y Francisca son oriundas de Peñalolén en Santiago. Ambas se conocieron en el colegio por una competencia musical donde participaron de manera conjunta y entablaron amistad. Posterior a ello deciden iniciar una carrera musical juntas formando parte de una banda llamada Exist,1 finalmente deciden formar un dueto, dando vida a Frank´s White Canvas.
Música pop a través de una propuesta que se inicia en el chelo, su propio instrumento, y finaliza con una enorme construcción sónica a partir de sintetizadores, secuenciadores, máquinas de ritmos y de muestreos
Las iniciales de I.O. definen una identidad musical para Isidora O’Ryan, una cantautora en los márgenes de la música pop a través de una propuesta que se inicia en el chelo, su propio instrumento, y finaliza con una enorme construcción sónica a partir de sintetizadores, secuenciadores, máquinas de ritmos y de muestreos. Todo ello queda expuesto en el álbum Ciénaga (2020), uno de los discos que marcaron el año de la pandemia y al mismo tiempo uno de los debuts de mayor altura para un solista independiente. Junto con Ángela Acuña y Felicia Morales, Isidora O’Ryan completa una tríada de chelistas clásicos que pasaron paulatinamente hacia el mundo del pop.
“Este material se realizó como resultado de la Convocatoria Pública Nacional para Festivales Emblemáticos 2018-2021, impulsada por el Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación IFCI
GUAYUNGAS HUB hace la invitación a compartir tus textos en su plataforma: http://guayungashub.org/
Los textos pueden ser originales, inéditos o pueden haber sido previamente publicados.
Los textos deberán ser presentados en su redacción definitiva.
Los textos SI pueden ser parte de otras investigaciones ya publicadas como tesis de grado, maestría o Ph.D.
Los textos deben tener una extensión de entre 4 y 12 páginas.
El texto debe estructurase y enviarse de la siguiente manera:
Título del artículo en español.
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Biografía del autor/a en máximo, 150 palabras.
Resumen del texto en español 150 palabras.
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Texto redactado con fuente Times New Roman tamaño 12, interlineado 1,5 para el cuerpo del trabajo, las citas y la bibliografía y tamaño 10 para las notas al pie.
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ESTA ABIERTA LA CONVOCATORIA PARA PARTICIPAR EN EL CICLO DE FORMACIÓN INTENSIVA INVERNADERO CULTURAL GUAYUNGAS – HERRAMIENTAS DE PROFESIONALIZACIÓN Y AUTOGESTIÓN PARA ARTISTAS.
Se entregaran 25 BECAS de estudio para asistir al Ciclo intensivo de formación on-line INVERNADERO CULTURAL GUAYUNGAS – Herramientas de profesionalización y autogestión para artistas.
Los talleres estarán a cargo de expertxs especialistas en sus respectivas áreas que son: Martina Miño, Ana Rosa Valdez, Janina Suarez Pinzon, Susan Rocha, María Inés Armesto, Tania Navarrete, Paulina León, Gabriel Roldos, Gabriela Moyano y Diego Morales.
Este ciclo intensivo de capacitación tiene el objetivo de ofrecer herramientas para actualizar y ampliar las capacidades como artistas y que permitirán a los creativos gestionar de mejor forma su carrera profesional.
Contiene 10 talleres de formación, de tres horas cada uno, 30 horas en total de temas específicos para desarrollar las capacidades artísticas, que seguro serán de mucha utilidad a la hora de plantearse metas creativas, fortalecer las comunidades artísticas y construir carreras más prósperas.
Este ciclo de capacitación intensivo cuenta con el aval de Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación, la UArtes y Manzana 14, Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca, Arte Actual y Proyect Room de FLACSO, Colectivo Central Dogma.
Se requiere el compromiso de los participantes será asistir al 80% de las clases (24 horas minimo), solo quienes asistan a todos los talleres recibirán un certificado con el aval académico respectivo. Aceptamos solicitudes hasta el 30 de marzo de 2021
Fechas: todo el mes de abril e inicios de mayo de 2021, de 20H00 a 21H00
PROGRAMACIÓN TALLERES:
TALLER 1:
Arte expandido: El comer, saborear y digerir como medios artísticos», dictado por Martina Miño Perez.
Fechas: 01 – 02 – 03 de abril de 2021
TALLER 2:
Historia del Arte Ecuatoriano, dictado por Ana Rosa Valdez
05 – 06 – 07 de abril de 2021
TALLER 3:
Comunicación y creación cultural, repensando lo que será puesto en marcha, dictado por Janina Suarez Pinzon.
Fechas: 08, 09, 10 de abril de 2021
TALLER 4:
Claves para escribir sobre arte y discursos retóricos, dictado por Susan Rocha
Fechas: 12, 13, 14 de abril de 2021
TALLER 5:
Narrativa fotográfica en portafolios y autopublicaciones dictado por María Inés Armesto
Fechas: 15, 16, 17 de abril de 2021
TALLER 6:
Procesos de gestión de proyectos culturales ¿Cómo elaborar un proyecto para participar en una convocatoria y que tengas mayores posibilidades de ser seleccionado?, dictado por Tania Navarrete.
Fechas: 19, 20, 21 de abril de 2021
TALLER 7:
Ejercicios especulativos de curaduría, dictado por Paulina León Crespo
Fechas: 22, 23, 24 de abril de 2021
TALLER 8:
Finanzas personales para artistas, dictado por Gabriel Roldos
Fechas: 26, 27, 28 de abril de 2021
TALLER 9:
¿Cómo fijar los precios de tu obra de acuerdo a tu mercado? Oportunidades y consejos para abrirse camino en los mercados nacionales e internacionales, dictado por Gabriela Moyano.
Fechas: 29, 30 de abril y 01 de mayo de 2021
TALLER 10:
Gestión del Conocimiento (Marcas, Patentes, Derechos de Autor y Derechos Digitales), dictado por Diego Morales.
El Invernadero Cultural Guayungas Hub, está mentalizado como una plataforma digital de creación, circulación y capacitación en las artes contemporáneas, impulsada por el Colectivo Central Dogma -artistas que piensan y actúan juntxs-, que surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas emergentes ecuatorianos.
Guayungas Hub esta pensada en la necesidad de considerar a las artes y la cultura como estrategias para garantizar la salud integral de las personas y promover procesos ciudadanos de resiliencia y recomposición del tejido social causada por la emergencia sanitaria mundial del coronavirus.
Este es un proyecto ganador del Fondo de Movilidad del Instituto de Fomento a la Creación e Innovación (IFCI), producido por el Colectivo Central Dogma, la Residencia Artística Pujinostro, y cuenta con el aval de Arte Actual y Project Room de Flacso, Universidad de las Artes, Mz14, el Openlabec, el Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca.
La presentación oficial se realizará el día 17 de marzo de 2021 a las 11H00 a través de las plataformas de Arte Actual – Project Room FLACSO.
En la presentación estarán presentes los artistas participantes, curadores y amantes del arte ecuatoriano, no te lo pierdas!
Apuntes aterrizados para construir políticas de cultura
En memoria de Claudio Durán, Miguel Varea, Diego Brito, Patricia Naranjo, Eduardo Hurtado, Fausto Gortaire Marmota, Tadashi Maeda, Enrique Tábara y todos los artistas que se adelantaron en El Camino.
Por: Ana Rodriguez & Tania Navarrete
“La verdadera fuerza del impulso anticapitalista está expandida muy difusamente en el cuerpo de la sociedad, en la vida cotidiana y muchas veces en la dimensión festiva de esta última, donde lo imaginario ha dado refugio a lo político y donde esta actitud anticapitalista es omnipresente”.
– Bolívar Echeverría
En medio del ruido y el vacío que provocan las elecciones, hemos confluido en las mismas ganas de decir algo esperanzador sobre un tema con el que tenemos una relación ambivalente o -por lo menos- conflictiva: la política. Y aunque de ella, lo que menos nos interese es lo electoral, no quita que podamos lanzar una pequeña reflexión sobre nuestra cultura política relacionada con nuestra pequeña política cultural.
Esta reflexión se organiza a partir de nuestras experiencias particulares, con al menos 3 ingredientes indispensables: la cultura desde lo independiente (haciendo), las experiencias extremas en el sector público (diciendo), el trabajo con comunidades en territorios locales (diciendo-haciendo).
Estas experiencias no han estado fuera de la lógica amigo-enemigo, que es lo propio de la política que atraviesa los campos del saber y del hacer. En algunos casos ejerciendo puestos públicos, nos ha acompañado de cerca su sombra binaria, ese miedo gris de ser ubicadas (arrojadas) a un extremo de un ring de box, en la lógica polarizada que es la expresión más común de la contienda política. En esa contienda hemos aprendido mucho, a sobrevivir, a entender el Estado, la capacidad de lo público y la fragilidad de sus instituciones, la contradicción y la ambivalencia de los acuerdos políticos, como un supuesto costo fijo de la transformación, o como una extensión de las formas poscoloniales del estado.
(Es en este contexto que nuestro deseo es posible. Digamos que es el marco de sentido de nuestro deseo, no su condición ni su origen, pero su entorno. No deseamos el objeto del arte y la cultura, deseamos el conjunto en el que ese objeto es posible. Y ahí se reaviva la contradicción, y ahí decidimos que se trata de un deseo productor, y de que nuestras subjetividades -o deseos- no están hechas de la materia fija o binaria del ring de box y sus reglas, sino de la materia cambiante de los cuerpos que sudan, se estropean y se reconstruyen, hasta reinventar el sentido de su movimiento.)
La cultura desde lo independiente (haciendo)
Nosotras creemos que la cultura es como una especie de columna vertebral de nuestra sociedad, porque es una estructura y a la vez una información, una especie de ADN que nos construye, pero a la vez un proceso de constante creación y transformación que nos da identidad y que hace que vivamos de mejor manera. Para el ser humano la cultura es -o debería ser- tan importante como la alimentación. Al mismo tiempo, la Cultura es una herramienta, que como personas nos permite avanzar en el tiempo, entender el pasado, visualizar el futuro y vivir con propósito, para mejor el presente.
Para el filósofo ecuatoriano Bolívar Echeverria, considerado como uno de los teóricos más importantes del siglo XX la cultura es el “cultivo de la identidad”, entendida como el modo en que una comunidad determinada –en lo étnico, lo geográfico y lo histórico– realiza o lleva a cabo el conjunto de las funciones vitales. Para nosotras, la cultura es lo independiente, no se desarrolla en ningún ministerio, ni institución pública, se desarrolla en el cuerpo, en la piel que habitamos, la cultura está presente en la ropa que nos cubre, está en las casas que habitamos, esta en nuestro entorno más cercano, es parte de nuestra familia, nuestro barrio, ciudad, país y mundo. La cultura es nuestra identidad y está presente en la Tierra que pisamos, en nuestro planeta, con su atmósfera protectora que nos permite vivir y generar un ambiente que nos protege del hostil y frío universo exterior.
Si bien, este último año (2020) la pandemia por COVID19 en el mundo entero, provocó un shock en los seres humanos, que nos creíamos casi inmortales; “todopoderosos dueños de la tierra”, este chirlazo nos despertó, e hizo que, más allá del hueco del capitalismo en el que habíamos cado, aprendamos a valorar otras materialidades, otros valores; la salud física, la salud mental, la familia, los amigos verdaderos, la correcta alimentación, el gran valor de la gente que siembra, cuida, cosecha, transporta y comercializa los alimentos que llegan a nuestra mesa, y el gran valor de lo inmaterial.
Y allí, en medio del confinamiento, los “productos culturales” nos ayudaron grandemente, principalmente a mantener la mente sana y no padecer ningún trastorno o enfermedad mental. Entonces nos refugiamos en el confortable mundo de los libros, del cine, de la música, de los videojuegos, muchas personas empezaron a pintar, tejieron bufandas, bordaron sueños, cocinaron, experimentaron. Mientras la parca se llevaba a miles de personas, mientras los medios de comunicación difundían las noticias de una enfermedad infecciosa causada por el coronavirus descubierta en Wuhan (China) en diciembre de 2019, mientras el virus palabra nos llenaba de angustia, mientras los bancos hacían crecer nuestras deudas -gracias por sus ambiciosos e inhumanos intereses-, en el camino solo nos quedaba una luz; el Arte.
Más, el despertar de las instituciones culturales en Ecuador en el inicio de la crisis sanitaria fue como siempre lento, negligente, desidioso, la inoperancia en la toma de decisiones, y la forma de tomar las mismas, hizo que nos sentimos huérfanos, esta sensación de vulnerabilidad nos golpeó bajo… Mientras los ministros intentaban llegar más alto, mientras en los ministerios, las subsecreatarías, direcciones culturales y casas los funcionarios de turno “tele trabajaban”; lxs artistas, gestorxs y creadorxs con esa hermosa capacidad de apartarnos cambiábamos nuestras prácticas; empezamos a hacer trueques, aprendimos a hacer pan y a compartirlo con nuestra comunidad, buscamos re equilibrarnos, a través del sentido de pertenencia y reciprocidad, a veces conscientemente y otras intuitivamente, sabíamos que este era un desafío, e intentamos darle a la crisis un significado positivo que nos traía la oportunidad de volver a redefinir el concepto de la vida- así, aprendimos a vivir en el mundo de la virtualidad y el mundo de lo real.
Las experiencias extremas en el sector público (diciendo)
Mientras en casi todo el país, el sector cultural público demostraba su ineficiencia, nos preguntabamos ¿Cuándo fue que lxs ecuatorianxs entregamos nuestro poder a un sector público cultural ineficiente? ¿Por qué las personas preparadas y comprometidas con las artes y la cultura -que si las hay- no estaban en ese momento a la cabeza, donde estaba la buena gente para dirigir las acciones de salvaguarda del patrimonio cultural material e inmaterial? ¿Porque todo tenía que estar dañado? ¿Por qué en las instituciones culturales públicas, -cuya misión debería ser el fomento y protección de los agentes culturales-, no hacían nada y cuando hacían todo parecía ilógico y sin sentido? Lo lógico en ese momento era, apoyar a la gente, apoyar a los actores y gestores culturales, implementar acciones de emergencia que apoyen y sostengan al sector, pero no fue así.
Entonces nos preguntamos; ¿qué parte del concepto “emergencia” no entendieron? pues de lo que entendemos una emergencia es un asunto o situación imprevista que requiere una especial atención y debe solucionarse lo antes posible, pero no, este no fue el caso. Para tener una sociedad mejor hay que dar importancia a las prioridades, que para nosotras son la salud, la alimentación, la educación y por supuesto la cultura, pero parece que para los políticos y para el gobierno la cultura no importa, y esa sensación de desamparo, e impotencia, como si se tratara de un mal sueño, hace que intentemos obligar a un despertar colectivo.
La invitación a meditar sobre ¿Qué va a pasar con el sector cultural ecuatoriano en la nueva década? ¿Qué tan real es el ejercicio de los derechos culturales en nuestras ciudades? ¿Cómo podemos lograr una sostenibilidad para los proyectos culturales en la época post COVID19? ¿qué políticas culturales desde las instituciones locales, nacionales e internacionales se están preparando para afrontar la post pandemia? y claro sabemos que no nos gusta pensar en cosas negativas, no andamos por allí pensando; para cuando el mundo se destruya dejaremos estas políticas públicas que ayuden a los sobrevivientes, quizás ese sea nuestro problema, nunca pensamos en las posibilidades de crisis, ni en cómo afrontarlas, no hay un plan de contingencia cultural que diga “salida por aquí” y claro mientras sigamos entregando la responsabilidad a burócratas egocéntricos, apáticos, misóginos, imposibilitados y desinteresados, seguiremos desapareciendo poco a poco.
Más, nosotras creemos que aún hay gente a la que le interesa las cosas, aún hay jóvenes que quieren cambiar el mundo, nuestro mensaje es para ellxs; lo que queremos pedirles es que se involucren en el sector público, que participen en la gestión institucional, que no traicionen sus principios, que -aunque sea pequeño- hagamos cambios positivos, nuestro deseo es que volvamos a reencontrar el camino, leer las tablas de la ley y si es necesario re escribirlas, para apoyarnos mutuamente, para que esta sea solo una triste anécdota que contar en el futuro, donde nos espera el festejo de la vida cultural, los encuentros, los abrazos que son la esencia humana, pero para llegar al futuro ideal, es necesario acelerar los procesos, acelerar los diálogos, acelerar la toma de decisiones, buscar un antídoto contra la indiferencia, con la conciencia de que como dice la ley de la unidad; no existe separación entre personas, animales, objetos, planetas o galaxias, porque que todxs formamos parte de una misma y única unidad o familia.
El trabajo con comunidades en territorios locales (diciendo-haciendo).
Fue Henry Miller quien en uno de sus libros dijo; “aquel capaz de vivir solo es un Dios o una alimaña”, también dijo “el arte no enseña nada más que el significado de la vida”, desde la escuela aprendimos que somos individuosgregarios, tendemos a vivir agrupados con otros congéneres, formando manadas, cardúmenes, colonias o, en el caso de los seres humanos; grupos sociales.
Cuando pensamos en la comunidad, pensamos en la familia, pero también en esa familia extendida de la que habla la filósofa Donna Haraway, ella nos enseña que “Ser uno es siempre devenir-con muchos”. Así, el trabajo cultural en comunidad es solo una consecuencia de nuestro quehacer, es el resultado de vivir en esta tierra, en esta instancia histórica y geográfica. Según nuestra experiencia, nuestros acercamientos a lo que llamamos comunidad, suelen darse más por afinidad que por identidad, buscamos lo común, porque nos necesitamos lxs unxs a los otrxs, porque hasta para pelear se necesitan dos.
Vivimos en un ecosistema cultural, donde todos y todas somos necesarias, para nosotras no hay nada más placentero que hacer felices a otras personas, nada nos da más satisfacción que apoyar al crecimiento de otros seres, quizás esta necesidad sea instintiva, básica, necesaria, femenina y seguro el capitalismo alien en el que sobrevivimos no entiende esta acción humana, pero alli esta, y a pesar de las circunstancias sigue presente, insistimos; nos necesitamos los unxs a los otrxs, por eso es importante que exista un sector cultural público y un sector cultural ciudadano y autónomo, por eso es importante que haya más acciones que se tomen para protegernos mutuamente. Y aunque esta pandemia nos retenga en casa, nos haya inyectado el miedo, nuestro gran anhelo es volver a vivir la vida cultural en comunidad, bailar, ir a conciertos y festivales, ir al teatro, saludar con un abrazo a la gente que nos encuentra en el camino, sin miedo al otro, sin miedo a lo desconocido.
Pero a veces, parece que en lo alto de la torre, las “autoridades” los ministros de turno, sus secretarios y funcionarios, los directores de cultura y sus funcionarios se olvidaran de esta comunidad, y se quedan inmóviles esperando y festejando cada depósito de su sueldo, queriendo esconderse, no hacerse notar, no hacer bulla, para que nadie les joda, para que no vengan los artistas a exigir lo que les pertenece.
Micropolíticas – en medio del todo, no todo está perdido
Las experiencias de gestión independiente de procesos culturales tienen sus ventajas y desventajas, tienen sus momentos de gloria y su constante amenaza de muerte. La cultura como un proyecto de creación o de investigación está en riesgo siempre, porque nunca hay suficiente demanda integral o suficiente comprensión por parte de las instituciones o las autoridades, si no porque la cultura es un concepto, una política y un programa en disputa, siempre. Porque pende de un hilo, de una voluntad que oscila, de una gestión que es casi siempre una sobreviviente.
La magia de la gestión independiente, es que se hace de puro deseo, de la confluencia de voluntades que buscan producir espacios, transformar la normalidad, por que cada ciudadanx, puede hacer política; involucrándose, estando atentos, participando, reflexionando criticamente. Recordando que la cultura no es un problema, porque la cultura es la solución, que la cultura no está en crisis, que lo que está en crisis es la administración cultural, la forma de gobernanza…
Y es que hay que ser magos y magas para sobrevivir en este difícil campo cultural, donde muchas energías negativas nos afectan y en algunos casos atraviesan como el ego, la envidia, la codicia, el egoísmo, la desidia, el quemeimportismo, la politiquería, el dejar todo para un mañana que nunca llega, porque en el sector público siempre hay cosas más urgentes, incendios más grandes que apagar.
Entonces lxs artistas, gestorxs y creativxs hemos aprendido a ser equilibristas, en una baranda alta entre la vida y la muerte no queda más que respirar profundo y seguir caminando la palabra, mientras estemos vivas. Asumiendo los riesgos de la libertad y cuando ya no podemos más, cuando estamos a punto de tirar la toalla; la música suena en nuestro interior y se da nuevamente la magia. Por suerte no estamos solxs, somos miles de seres humanos conectados a esa energía creativa, a nosotras nos gusta visualizarla como una tribu que genera sus propias micropolíticas, las políticas del hacer, del pensar, del sentir, del ver más allá, las micropolíticas del compartir y del dar.
Nos complace presentar el cartel oficial del XVI Festival de Música de Vanguardia “Festivalfff 2020” edición virtual, cuyas transmiciones se realizarán el sábado 21 y domingo 22 en los canales oficiales del FFF y de instituciones aliadas.
Hace un poco más de 20 años, en Quito, Ecuador, una cuarteto de adolescentes, entendieron que lo que hacía falta en el mundo era un poco más de Punk! Formaron un banda. Se dedicaron a hacer riffs criollos y armoniosos pero maquiavélicos con base en baterías embaladas. Desarrollando así el quemimportismo como corriente estética. Y les fue muy bien. Ahora, ya sin tanta adolescencia, sienten que han tocado el tiempo suficiente para hacer de la música punk Quiteña una artesanía. Tanque es la banda más representativa de la escena musical independiente ecuatoriana, ahora regresan al Festivafff con la misma actitud y fuerza.
RICARDO PITA Y LA CASA RODANTE (Guayaquil – Ecuador)
Ricardo Pita es un innovador cantautor de la ciudad de Guayaquil. El estilo único de Pita ha llamado la atención de los medios y de los fanáticos en Ecuador y el resto de América Latina y Europa. Ha colaborado con varios artistas como: Héctor Napolitano, Jorge Drexler, entre otros.
La Casa Rodante es un proyecto en gira que fue creando y grabado canciones, invitando a músicos de todas las ciudades por donde rodaba; España, Chile, Argentina y Ecuador. Actualmente el proyecto es un trío que refleja el maravilloso sentimiento del viaje y recorre una mixtura de sabores que en vivo que nos permite escuchar sonidos únicos como: música tropical, swing, polka, rock alternativo y folclore latinoamericano.
Es una banda nacida en la ciudad de Ambato en el año 2015, está conformada por Christian Vela (guitarra y voz principal), Stalin Ipiales (Bajo y segunda voz) y Raphael Ipiales (Batería). La banda tiene una combinación de varios géneros con raíces ecuatorianas como el sanjuanito, en fusión con el hardcore y metal. Su sencillo se llama ¨Ritos del Caos¨, actualmente se encuentran en la producción de su primer Ep denominado ¨Nuestra sangre¨.
Es una banda muy versátil, que nació en el año 2013, con el interés de compartir la poderosa energía de los instrumentos de viento, con un proceso natural e innovador de creación y puesta en escena en distintos escenarios del país. Es una propuesta musical de gran intensidad anclada en un frente de seis vientos y una sólida base de batería y bajo. La presencia imponente del conjunto en el escenario, que integra diversos elementos del teatro, vestuario, luces y visuales, para generar un hilo conductor entre el público y la banda, creando así una historia que permite a la audiencia participar del show de una manera más interactiva, hace de Pichirilo Radioactivo uno de los performances más entretenidos y completos del Ecuador.
Es un trío de música electroacústica y experimental, con influencias y sonoridades eclécticas. Con más de 10 años de trayectoria nacional y latinoamericana, MUNN presenta su nuevo formato donde los sintetizadores, secuencias y samplers electrónicos se entrelazan orgánicamente con guitarra, bajo y voces en una experiencia con material inédito, así como repertorio de sus previos trabajos. Influenciados por el trip hop de los noventas (Massive Attack, Björk, Portishead) proponen un estilo con sonoridades e influencias diversas. Desde su primer trabajo “Espirales” (2012) y pasando por “Aquí/Ahora” (2015).
Proyecto musical liderado por la cantante Taki Amaru, que propone el rescate de la cultura ancestral andina a través del kichwa, los instrumentos y ritmos andinos, fusionados con el hip-hop y otros ritmos urbanos. Tiene un formato de Cantante, DJ y VJ. La Mafandina presenta en vivo un ritual energético, incluyendo varios elementos escénicos que evocan a la vida en las montañas. Sus temas son profundos e introspectivos. Este año presentan su nuevo disco, que les abrirá las puertas hacia nuevos horizontes.
Banda de Death Metal experimental formada en el 2011, se caracteriza por comunicar un mensaje que deja marca en la conciencia. El concepto general del proyecto musical gira en torno a la impermanencia, emociones y sensaciones que se producen en los seres humanos. Fusionan varios géneros obteniendo un estilo propio. Parca ha dado conciertos dentro y fuera del país, sus temas fueron reseñados por la revista underground brasileña Incarceration. En el año de 2016 PARCA lanzó su primer disco ¨Larga¨ y en junio de 2019 presentaron su nuevo disco ¨Obscena Agonía¨, con participaciones de varios artistas de la escena nacional como Notoken y Ente.
Gavilla siginifca pandilla y changoreta es algo chueco o cojo, se juntaron en 2009. A partir del concepto, “música desde la calle”, la banda propone una fusión entre los géneros de las músicas urbanas, el folclor caribeño, andino, antillano y latino en general, involucrando a otros géneros y elementos sonoros derivados del rock, el metal y el hip hop, en adiciones a sonoridades alternativas y efectos sonoros orgánicos.
El primer álbum de la Gavilla Changoreta, lleva el nombre de la banda y en 2019, luego presentaron su segundo álbum ¨Larga duración¨, junto a su primer sencillo ¨Tic nervioso¨, siendo reconocidos por la revista ¨Shock¨ como la banda revelación de Colombia.
Geraldine Eguiluz es compositora, cantante, guitarrista, trompetista, docente e investigadora musical. Nació en la ciudad de México en 1969, ciudadana del mundo y políglota desde la infancia, creció en Bogotá, Lisboa y París. Se desenvolvió desde finales de los ochentas, en el mundo del jazz y la creación musical. Estudió en la ESM con Francisco Téllez, Manduka. Su música ha sido tocada e interpretada por Lafayette String Quartet en Banff, Canadá. La obra de Geraldine Eguiluz está en constante transformación y evolución, inspirada por el imaginario musical y espiritual de las civilizaciones mesoamericanas antiguas y las contemporáneas; integra lenguas, dialectos, sonidos y ritmos de las músicas Afroamericanas, lenguajes musicales que se transmiten por la escritura y la oralidad, con la intención de crear una música nueva y creativa, creando lazos, conexiones, belleza, consciencia y luz al mundo de hoy.
Joe Le Bon es un artista de Finlandia con 20 años de experiencia, fundador de varios proyectos de tecnología, música y proyectos visuales. Jarno es el autor del libro y juego “Henry von Blockhearts – Un viaje que no puedes escapar”, que ayuda a los líderes empresariales a probar en el futuro su negocio diario para viajes espaciales y mundos descentralizados. Escribió la canción #1 de Beatport “Tim Deluxe – Transformation (DJ Hell remix)” en 2012. Ha realizado conferencias y festivales en Europa y Rusia donde construye instalaciones audiovisuales con música de aurora boreal, sauna finlandesa, ADN humano, virus del Ébola, transacciones de Bitcoin y mercado de criptografía. Jarno ha creado experiencias únicas e interactivas con los visitantes de los eventos, convirtiéndose en un espectáculo audiovisual enérgico.
Zir nace en el año 2018, fundada por Henry Muylema. Actualmente, la agrupación ha sufrido cambios inesperados, pero ya con una línea establecida cambiando de una voz femenina a una voz masculina para dar paso a una nueva etapa más madura de la banda. La banda ambateña inclinada al rock también tiene influencias en el blues, jazz, new wave, jangle pop, garage rock y psicodelia. A inicios del 2019 lanzaron ´Solar´su primer single con la colaboración de Kevin Urbina de Roditore, además lanzaron su EP “Once” en recuerdo a Gabriel Galarza (+).
Es una propuesta musical que propone un mestizaje sonoro donde se explora la riqueza musical del Ecuador y sonoridades de nuestra herencia: elementos africanos, árabes e indígenas que entran en juego en esta búsqueda de una identidad. Pitekus es un personaje creado por el músico y compositor Fidel Minda, artista revelación ecuatoriano. En su proyecto musical retrata a un aborigen que vive en la actualidad y que a través de la música va recordando de donde proviene, de esta manera reinterpreta la música del Ecuador y sonidos que provienen de otros imaginarios.
Pitekus ha participado en el “International Body Music Festival ” en Estambul 2012, en Paris 2016 y Alemania 2017, ha realizado varias giras y workshops en más de 15 países entre Europa, Asia, África y América Latina. Fue ganador de los fondos de movilidad IBERMUSICAS para realizar una gira MÉXICO TOUR 2020 – PITEKUS. Este tour se realizará en el mes de noviembre 2020.
Proyecto musical ecuatoriano que nace en la ciudad de Tulcán, actualmente con residencia en Quito. Estudian las culturas del Ecuador y Latinoamérica especialmente la cultura Pasto, rescatan y fusionan la música tradicional de esa cultura con elementos de música electrónica obteniendo géneros como: Bomba Dub, World Music, Outernational House, entre otros.
Han compartido escenario con diferentes artistas nacionales e internacionales, formando parte de un ecosistema musical andino contemporáneo.
Pato Romo, canta-autor y productor musical ecuatoriano inmiscuido en la experimentación rítmica y melódica del Rap y hip hop. A mediados del año 2010 estableció su proyecto como solista llamado “McPato.Ec”, con el cual participó de varias colaboraciones, conciertos y la gesta del disco “Tras Un Sueño”.
Sus estructuras literarias están basadas en la cotidianidad universal e inspiradas en acontecimientos del folclor urbano y rural, siendo parte del sello discográfico ambateño ‘BocetoPro’.
Actualmente, ha reinventado su primer proyecto “McPato.Ec”, y ha dado forma a Pato Romo con la experimentación de estilos y estructuras de vanguardia en un contexto personalizado y realista, acompañado de nuevas formas, pero con la misma esencia del hip hop.
Don Bolo es una banda instrumental experimental de Criminal Punk Jazz nacida en algún momento del 2015 en las calles de Quito. En noviembre del 2018 sale el primer disco de la banda titulado El Principio Del Fin, grabado y producido en la ciudad de Guayaquil, en Ermitaño Records. Actualmente la banda se encuentra grabando su segundo álbum de larga duración. Don Bolo ha participado en festivales como la Fiesta de la Música en Guayaquil y Cuenca, Festivalfff 2019, Zapateafest en Machachi, Festival Protoboard en Ambato y ha estado en conciertos en diferentes ciudades del país. Don bolo es Emilio Montenegro en el bajo, José Hernandez en batería, Daniel Gachet en guitarra y secuencias, Pedro Naranjo en saxofón barítono y flauta traversa, Luis Sigüenza en saxofón alto y flauta traversa.
Formada en 2002, en la ciudad de Río de Janeiro, la banda “El Efecto” tiene el eclecticismo como rasgo fundamental de su sonoridad. Las composiciones resultan de procesos de investigación sobre los lenguajes de distintas tradiciones y géneros musicales vistos desde una mirada contemporánea. Es uno de los principales nombres de la escena independiente brasileña. Este año la banda celebra 18 años de historia con su quinto disco de estudio: ”Memórias do Fogo”, donde se evidencia la profundización del proyecto, a través de un gran panel de ritmos, mezclando las inquietudes estéticas y el compromiso político.
El Colectivo Multimedia de folk rock NDE RAMIREZ. Nace en Formosa como un proyecto en 2006 producido por el músico y diseñador audiovisual Marcos Nde Ramirez quien a través de diferentes formatos (performance, muestras audiovisuales, etc) empieza a presentar música que fusiona el rock y la psicodelia con los ritmos y sonidos de su región (Litoral Argentina).
La idea de salir a tocar en vivo estas canciones genera una formación de banda con instrumentos del Folklore y también del Rock por donde han pasado destacados músicos de Argentina y Paraguay. Esta particular propuesta audiovisual ha recorrido toda la Región Litoral y Región Centro Argentino y el vecino país PARAGUAY en más de 300 shows desde su formación con una particular forma de presentarse donde se destacan incursiones en el Teatro Rock, con bailarines y actores que ilustran una poderosa fusión de folk rock latino.
Fredy Vallejos ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia, Francia y Suiza.
Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa principalmente en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAC (composición Asistida por computador) y en la relación del sonido con otras formas de arte.
Sus obras se han presentado en más de 15 países y participado en festivales como AIMAAKO, Archipel, Charlesroi Danses, DOCK.fest, Escuchar-Sonidos Visuales, Encuentros Sonoros, Experimenta Sur, FICCI, IDFA, Milano Musica, MANIFESTE, o Visiones Sonoras entre otros. Laureado del Multimedia Prize (Milan), del concurso de composición André Jolivet (Francia) y Finalista de los concursos de jóvenes solistas de la Orquesta Filarmónica del Valle del Cauca y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.
Segundo puesto y Premio a los mejores arreglos en el concurso de música tradicional afro colombiana Petronio Alvarez. Residente en la Cité International des Arts de Paris (2013-2014) y becario de la ciudad de Villeurbanne, de la Fundación Simón Patiño, del Instituto Departamental de Bellas Artes (Cali-Colombia) y de la Ciudad de Ginebra (Suiza).
Los artistas y profesionales seleccionados fueron elegidos por convocatoria pública por los curadores Daniel Merchan, Vanessa Bonilla y Pablo Dávila el 15 de febrero de 2020, el Festival debía realizarse en mayo de 2020, más por la crisis sanitaria del COVID19 nos vimos obligados a suspenderlo, sin embargo nos hemos reprogramado el festival para hacerlo virtual, para fortalecer la escena musical ecuatoriana nuestro apoyo.Agradecemos a todas las personas e instituciones que nos han acompañado y guiado en el camino.
“Este material se realizó como resultado de la Convocatoria Pública Nacional para Festivales Emblemáticos 2018-2021, impulsada por el Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación IFCI”
Dogma Central 